Dal 22 ottobre prende il via «I Giovedì in Archivio», una rassegna culturale che proseguirà fino a maggio 2027. Il primo incontro sarà dedicato a Giosuè Carducci e Annie Vivanti. Intanto si è conclusa la mostra sui monumenti bronzei destinati alla fusione durante il fascismo.

L’Archivio di Stato della Spezia rafforza il proprio ruolo di centro culturale aperto alla cittadinanza. Dopo il trasferimento nella nuova sede di via Roma e l’organizzazione di diverse mostre documentarie, prende il via «I Giovedì in Archivio», un ciclo di otto appuntamenti dedicati alla letteratura, alla storia e alla valorizzazione del patrimonio documentario del territorio.

La rassegna, che si svolgerà con cadenza mensile fino a maggio 2027, propone conferenze, incontri e presentazioni di libri, con l’obiettivo di avvicinare un pubblico sempre più ampio alla conoscenza della storia locale e dei documenti conservati nell’istituto.

Il primo appuntamento è fissato per giovedì 22 ottobre, alle ore 16.30, con un incontro dedicato a Giosuè Carducci e Annie Vivanti, a cura di Carlo Raggi, presidente della Società Dante Alighieri della Spezia.

Al centro dell’incontro il soggiorno spezzino del poeta e della giovane scrittrice nel 1890, durante il quale Carducci, futuro premio Nobel per la Letteratura nel 1906, compose la poesia Ad Annie, dedicata alla Vivanti.

Da Carducci alla storia della Spezia: otto appuntamenti

Il programma attraversa epoche e argomenti differenti: dalla corte dei Medici alla storia delle Cinque Terre, dalla stampa periodica spezzina tra Ottocento e Novecento alla giustizia militare, fino all’impiego dei marmi locali nell’architettura barocca.

Questo il calendario completo degli incontri, tutti con inizio alle ore 16.30:

• 22 ottobre 2026 – Giosuè Carducci e il soggiorno di Annie Vivanti alla Spezia, con Carlo Raggi.

• 19 novembre 2026 – Presentazione del volume di Rachele Farina Simonetta. Una donna alla corte dei Medici (Edizioni Giacché, 2026), a cura di Nicoletta Gruppi.

• 17 dicembre 2026 – Presentazione dei volumi Breve storia della Spezia e Breve storia delle Cinque Terre (Pacini Editore), a cura di Michele Finelli.

• 21 gennaio 2027 – Presentazione di Ottant’anni di stampa periodica spezzina 1860-1944, a cura di Pier Giacomo Nigido.

• 18 febbraio 2027 – Il caso Vizzardelli e Montepagani a Sarzana: un pluricomicida e un plurinnocente a processo un secolo fa, con Dino Del Giudice e Andrea Lazzoni.

• 18 marzo 2027 – Gino Patroni. Un epigrammista alla Spezia, con Antonio Castronuovo e Monica Schettino.

• 15 aprile 2027 – La giustizia militare in Italia tra tempo di pace e tempo di guerra, a cura di Idalgo Cantelli.

• 6 maggio 2027 – Non solo Portoro: l’impiego nell’architettura sacra barocca dei marmi policromi dell’area spezzina, con Roberto Santamaria.

Gli incontri si terranno nella sede dell’Archivio di Stato, in via Roma 111 alla Spezia, con ingresso libero senza prenotazione, fino a esaurimento dei posti disponibili.

Dai libri ai monumenti: la mostra sui bronzi sacrificati alla guerra

La nuova iniziativa si inserisce in un percorso di apertura alla cittadinanza che l’Archivio di Stato spezzino, diretto da Francesca Nepori, ha già intrapreso attraverso le esposizioni documentarie.

Tra queste, la mostra appena conclusa Bronzi alla Patria. I monumenti ai caduti tra creazione, distruzione e tutela, una rara e dettagliata testimonianza di un fenomeno poco conosciuto al grande pubblico: la fusione dei monumenti in bronzo, disposta durante la Seconda guerra mondiale dal governo fascista per recuperare materiale destinato alla produzione di armamenti.

L’esposizione, patrocinata dal Ministero della Cultura e dalla Soprintendenza archivistica e bibliografica della Liguria, ha presentato documenti provenienti in gran parte dagli archivi della Prefettura e della Camera di Commercio.

Tra questi, le richieste inviate tra il 1940 e il 1943 ai sindaci della provincia per censire i monumenti da destinare alla fusione, ma anche progetti di nuove installazioni.

Secondo le direttive statali emanate tra il 1939 e il 1941, i monumenti bronzei avrebbero dovuto essere fusi e sostituiti da analoghe opere in marmo. Le richieste ufficiali di consegna del materiale alle fonderie furono inoltrate dall’Edirot, Ente nazionale distribuzione rottami.

La sostituzione, tuttavia, si rivelò particolarmente difficile quando le opere possedevano un significativo valore artistico.

Tra i documenti esposti spiccava la relazione firmata dal podestà di Brugnato, nella quale si sconsigliava la rimozione del monumento ai caduti della Grande Guerra, opera dello scultore Angiolo Del Santo, evidenziando l’impossibilità di realizzarne una sostituzione in marmo.

Anche alla Spezia il monumento a Giuseppe Garibaldi sfuggì alla rimozione, proprio per l’importanza dell’opera e la difficoltà di sostituirla.

Ma a ostacolare l’attuazione delle direttive fasciste contribuirono anche le proteste delle popolazioni locali, contrarie alla distruzione di monumenti che custodivano la memoria dei caduti di una guerra ancora viva nel ricordo dei superstiti.

Come ha spiegato la direttrice Francesca Nepori, la mostra ha rappresentato quasi un capovolgimento del tema della tutela del patrimonio culturale, mostrando come, in quel periodo storico, fosse lo stesso Stato a mettere a rischio la conservazione delle opere d’arte.

Un esempio del valore dei documenti conservati dall’Archivio di Stato e della loro capacità di raccontare vicende del territorio spesso dimenticate. Un patrimonio che, attraverso le mostre e ora con la nuova rassegna culturale, diventa accessibile non soltanto agli studiosi e ai ricercatori, ma a tutti i cittadini interessati alla storia della Spezia.

By Gabriella Mignani

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Venerdì 16 e sabato 17 ottobre, nella sala multimediale di TeleLiguriaSud, nove compagnie e gruppi teatrali protagonisti di una manifestazione a ingresso gratuito.

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Sala gremita per il debutto del nuovo progetto culturale spezzino. Roberto Alinghieri guida con abilità il collega in un viaggio tra gli aneddoti del Trio, i grandi protagonisti dello spettacolo e il loro sodalizio teatrale nel segno di Gilberto Govi. Intanto prende forma il programma dei prossimi mesi.

Una sala gremita, un pubblico partecipe e due attori che, più che seguire un copione, sembravano conversare tra amici. Non poteva esserci esordio migliore per Sapri 68, il nuovo progetto culturale nato negli spazi di Sunspace, nell’ex cinema Diana alla Spezia.

Protagonisti della prima serata, lunedì 12 ottobre, Tullio Solenghi e Roberto Alinghieri, legati da una lunga frequentazione professionale e da una comune passione per il teatro.

Il dialogo, apparentemente libero e improvvisato, era in realtà sapientemente costruito. Ed è proprio qui che è emersa la bravura di Roberto Alinghieri: non un semplice intervistatore, ma un attore capace di attingere alla conoscenza del collega per innescare ricordi, sollecitare aneddoti, suggerire collegamenti e far emergere quel patrimonio di esperienze, incontri e personaggi che Solenghi ha accumulato in una lunga carriera.

Alinghieri ha saputo accompagnarlo senza mai sovrapporsi, lasciando che ogni episodio ne richiamasse un altro, che una battuta aprisse la strada a una nuova storia e che il racconto prendesse continuamente direzioni impreviste.

Ne è nato uno spettacolo nel quale aneddoti, imitazioni, barzellette e riflessioni sul mestiere dell’attore si sono alternati senza soluzione di continuità, tra le risate e gli applausi del pubblico.

Sapri 68, il progetto prende vita

Prima di lasciare il palcoscenico ai due attori, Michele Codeglia e Milo Campagni hanno ricordato il significato del progetto, nato dalla collaborazione tra otto associazioni riunite in Mesciua ETS.

L’obiettivo è fare di Sapri 68 non soltanto uno spazio per spettacoli, ma un luogo stabile di produzione culturale, incontro e partecipazione.

Il pubblico della prima serata ha rappresentato un incoraggiante segnale di interesse. Gremita la sala, compreso il settore riservato ai soci sostenitori, sui quali gli organizzatori puntano per costruire una comunità capace di accompagnare il progetto nel tempo.

Codeglia ha ricordato la campagna di adesione: una quota di 100 euro, valida fino al 31 dicembre 2027, che consente di sostenere l’iniziativa e di usufruire di alcune opportunità, tra cui la prelazione sui posti e la partecipazione a serate dedicate.

L’appello è rivolto anche alle imprese del territorio, chiamate a considerare la cultura come un ambito nel quale investire.

Intanto il calendario dei prossimi mesi si va riempiendo di appuntamenti, confermando l’intenzione di dare continuità alla programmazione.

Da Leopardi ai carabinieri diretti verso il Sole

Poi il palco è passato a Solenghi e Alinghieri. Tra i primi ricordi, quello degli anni della scuola di recitazione del Teatro Stabile di Genova, frequentata da entrambi in periodi diversi.

Solenghi ha raccontato del provino d’ammissione, per il quale aveva preparato A Silvia di Giacomo Leopardi, ascoltata ripetutamente in una registrazione con la voce di Vittorio Gassman.

Da quel ricordo è nata un’esilarante divagazione: come avrebbe recitato Leopardi la propria poesia con l’accento di Recanati? E come sarebbe suonata se il poeta fosse nato in Veneto oppure a Genova?

Solenghi ha improvvisato le diverse versioni, trasformando uno dei testi più celebri della letteratura italiana in un piccolo esercizio di comicità.

Alinghieri ha poi svelato un’abitudine del collega, maturata proprio durante il loro lavoro teatrale: prima di andare in scena, Solenghi racconta sempre un aneddoto agli altri attori. Un rito che serve ad allentare la tensione e che, nel tempo, è diventato quasi indispensabile, tanto che gli stessi colleghi arrivano a richiedere i racconti preferiti.

Non poteva quindi mancare una delle sue barzellette più richieste, quella dei carabinieri che progettano una spedizione sul Sole. Alla domanda di un giornalista su come intendano evitare di essere inceneriti dal calore, il comandante risponde con assoluta sicurezza: «Partiamo di notte!»

Il Trio, da un incontro alla nascita di un fenomeno televisivo

Il racconto ha poi ripercorso la nascita del celebre Trio formato da Anna Marchesini, Massimo Lopez e Tullio Solenghi.

Un sodalizio che non nacque da un progetto costruito a tavolino, ma da incontri professionali e da una comune sensibilità per la comicità e la parodia. Solenghi ha ricordato il rapporto con Anna Marchesini e l’occasione di un programma radiofonico per Radio 2, che li portò a tornare a lavorare insieme. Marchesini, impegnata nel doppiaggio con Massimo Lopez, propose di coinvolgere anche lui. Fu l’inizio di un percorso che dalla radio sarebbe approdato alla televisione, dando vita a uno dei gruppi comici più popolari dello spettacolo italiano.

Solenghi ha ricordato anche come la parodia fosse già presente nella sua esperienza teatrale: quando recitava nei classici, amava proporne ai colleghi versioni comiche, giocando con personaggi, situazioni e linguaggi.

La bomba a teatro e il pubblico che non ci credeva

Tra i momenti più divertenti, il racconto di un episodio realmente accaduto durante uno spettacolo del Trio. Al teatro Sistina di Roma arrivò una telefonata anonima che annunciava la presenza di una bomba in platea. I carabinieri intervennero e chiesero agli attori di interrompere lo spettacolo e fare evacuare la sala.

Ma c’era un problema: il Trio aveva abituato gli spettatori a scherzi e situazioni paradossali, comprese finte interruzioni dello spettacolo. Quando Solenghi, ancora vestito da prete per uno sketch, annunciò un inconveniente tecnico e invitò tutti a uscire, il pubblico applaudì. Ci riprovarono tutti e tre. Altri applausi. Entrarono persino i carabinieri. Applausi anche per loro. A quel punto un militare annunciò esplicitamente la presenza di una bomba. E il pubblico, convinto di assistere all’ennesima trovata comica, continuò ad applaudire. La situazione si risolse soltanto quando gli attori smisero di recitare, lasciando il palcoscenico vuoto. Lentamente gli spettatori cominciarono ad abbandonare la sala.

Il sodalizio con Alinghieri e la riscoperta di Gilberto Govi

Un capitolo importante della conversazione ha riguardato il rapporto professionale tra Solenghi e Alinghieri, consolidato negli anni attraverso il lavoro teatrale e, in particolare, la riproposizione delle commedie di Gilberto Govi.

Solenghi ha ricordato come l’idea iniziale fosse quella di allestire poche rappresentazioni di I manezzi pe majâ na figgia, una delle opere più celebri del grande attore genovese.

Il successo ha superato ogni previsione, trasformando quella che doveva essere un’esperienza circoscritta in un percorso teatrale di lunga durata, arrivato a sfiorare le trecento repliche.

E non soltanto in Liguria. Gli spettacoli hanno conquistato il pubblico anche a Roma, Torino e Milano, dimostrando che la comicità di Govi, pur profondamente radicata nella tradizione genovese, conserva una capacità di parlare a spettatori di territori differenti.

Il piacere di far sorridere

La conversazione ha attraversato anche altri grandi nomi dello spettacolo, da Carlo Dapporto a Woody Allen e Paolo Villaggio, tra ricordi personali e riflessioni sulle differenti forme della comicità.

Ma il momento forse più significativo è arrivato quando Alinghieri ha chiesto a Solenghi che cosa gli fosse rimasto, sul piano personale, di tanti anni trascorsi a fare ridere il pubblico.

Solenghi ha ricordato gli spettatori che gli hanno raccontato quanto gli spettacoli del Trio abbiano accompagnato momenti importanti della loro vita. Tra questi, una donna che gli aveva confidato come il padre avesse trascorso gli ultimi giorni davanti alla televisione, conservando fino alla fine il sorriso che i tre attori riuscivano a regalargli.

E per spiegare il valore della gioia nel proprio lavoro, Solenghi ha raccontato anche di un barista incontrato a Trieste, che serviva il caffè cantando e trasmettendo buonumore. Quando, poco dopo, un giornalista gli chiese chi fosse il suo idolo, rispose indicando proprio quel barista.

Per Sapri 68, un debutto che lascia ben sperare. Come ha sottolineato Michele Codeglia in chiusura la sfida, adesso, sarà quella di trasformare l’entusiasmo della prima serata in una partecipazione costante alla vita culturale della città. C’è già una nuova data: sabato 18 ottobre Coro, Coro Coro!

Leggi anche: Da Sunspace a Sapri 68: la cultura spezzina prova a fare squadra

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Per il terzo anno consecutivo il fotografo spezzino Carlo Alberto Conti ottiene un riconoscimento ai Siena Awards, uno dei più importanti appuntamenti internazionali dedicati alla fotografia. Quest’anno la giuria del Drone Photo Awards 2026 gli ha assegnato la menzione Highly Commended nella categoria SERIES, riservata alle serie fotografiche.

Il riconoscimento arriva in concomitanza con l’apertura della dodicesima edizione del Siena Awards Photo Festival, inaugurata il 10 ottobre. Fino al 29 novembre Siena e alcune località del territorio ospiteranno un articolato percorso espositivo dedicato alla fotografia internazionale. Tra le opere in mostra anche quelle di Conti, esposte al Museo di Storia Naturale dell’Accademia dei Fisiocritici.

I fiumi glaciali islandesi diventano opere astratte

Il riconoscimento è stato assegnato a Glacial Veins, una serie di nove fotografie realizzate dall’alto che hanno come protagonisti i fiumi glaciali dell’Islanda.

Visti attraverso l’obiettivo di un drone, i corsi d’acqua perdono i loro contorni abituali e si trasformano in un intreccio di forme, geometrie e contrasti cromatici. Il paesaggio naturale assume così le sembianze di una composizione astratta, nella quale diventa talvolta difficile distinguere la fotografia dalla pittura.

L’Islanda occupa da anni un posto privilegiato nella ricerca artistica di Conti, che vi ritorna frequentemente per sviluppare nuovi progetti e accompagnare gruppi di appassionati in viaggi fotografici.

Proprio ai paesaggi islandesi ha dedicato il volume Iceland My Soul, pubblicato nel 2025 e presentato alla Spezia negli spazi del Sunspace. In quell’occasione ebbi il piacere di presentare il libro e di intervistare il fotografo per SpeziaMirror, approfondendo le ragioni di una ricerca artistica che ha fatto dell’Islanda uno dei suoi soggetti privilegiati. Qui l’articolo e l’intervista a Carlo Alberto Conti.

Tra i riconoscimenti ottenuti ai Siena Awards figura anche quello del 2025, quando Conti ricevette la menzione Highly Commended per la fotografia “Monument to a Forgotten Era” (Monumento a un’epoca dimenticata), che riproduciamo a corredo di questo articolo.

«Ricevere un premio ai Siena Awards è sempre una grandissima emozione, ma riuscirci per tre anni consecutivi rappresenta per me una soddisfazione davvero speciale», racconta Conti. «Quando mi trovo a confrontare le mie fotografie con quelle di autori straordinari provenienti da tutto il mondo, mi rendo conto di quanto sia importante questo riconoscimento. È la conferma che la passione, la ricerca e le tante ore trascorse sul campo, spesso in condizioni tutt’altro che semplici, possono portare a risultati importanti».

Le fotografie di Conti all’Accademia dei Fisiocritici

La mostra che ospita anche le opere premiate di Carlo Alberto Conti si intitola Above Us Only Sky ed è allestita al Museo di Storia Naturale dell’Accademia dei Fisiocritici, in Piazzetta Silvio Gigli 2, nel centro storico di Siena.

L’esposizione raccoglie una selezione delle immagini premiate al Drone Photo Awards, proponendo paesaggi, ambienti naturali e forme di vita osservati dall’alto. Una prospettiva che modifica le proporzioni e i rapporti spaziali, rivelando aspetti del mondo difficilmente percepibili da terra.

Nella stessa sede è ospitata anche Meet Bob, una mostra del fotografo olandese Jasper Doest, che racconta la storia di Bob, un fenicottero dell’isola caraibica di Curaçao. Soccorso dalla veterinaria Odette Doest dopo essersi schiantato contro la vetrata di un albergo, l’animale non ha più potuto tornare in libertà ed è diventato protagonista di un progetto di sensibilizzazione sulla tutela della natura.

Siena, capitale internazionale della fotografia per quasi due mesi

L’edizione 2026 ha raccolto oltre 40.000 fotografie provenienti da 163 Paesi, presentate ai tre concorsi internazionali che costituiscono il cuore dei Siena Awards: il Siena International Photo Awards, il Creative Photo Awards e il Drone Photo Awards.

Nel corso degli anni, grazie all’iniziativa del fondatore e direttore artistico Luca Venturi, i Siena Awards hanno dato vita a un festival che porta nelle sedi espositive della città e del territorio le immagini premiate, accanto a mostre personali di fotografi internazionali.

Il percorso attraversa linguaggi diversi: dal fotogiornalismo alla fotografia naturalistica, dalla documentazione dei conflitti alla sperimentazione artistica, fino alle prospettive offerte dalla fotografia aerea.

Tra i protagonisti di quest’anno figura James Nachtwey, uno dei più importanti fotoreporter contemporanei, al quale è dedicata la mostra Witness to Our Time, ospitata a Sovicille. All’Ex Distilleria Lo Stellino di Siena, invece, la collettiva People Sharing All the World raccoglie le fotografie premiate al Siena International Photo Awards.

Da segnalare anche Parallel Universes dell’artista turco Uğur Gallenkuş, al Museo del Paesaggio di Castelnuovo Berardenga: immagini che accostano guerre, povertà e migrazioni alla quotidianità dei Paesi più privilegiati. All’Accademia dei Rozzi, invece, Cinzia Canneri presenta Women’s Bodies as Battlefields, progetto vincitore di un riconoscimento al World Press Photo 2025.

Già nel 2020 e nel 2021 avevo raccontato sul periodico  Toscana Today la manifestazione attraverso alcune delle immagini premiate in quell’edizione, soffermandomi sulle storie e sui significati racchiusi negli scatti. Qui il mio reportage sui Siena International Photo Awards 2021  e  2020.

Il sogno di Conti si chiama Pangea

Nonostante i numerosi riconoscimenti conquistati nei concorsi internazionali, Carlo Alberto Conti continua a inseguire un obiettivo. «Il mio grande sogno resta quello di conquistare il Pangea, il premio più ambito dei Siena Awards. So perfettamente quanto sia difficile raggiungere un traguardo del genere, perché significa confrontarsi con alcune delle migliori immagini al mondo. Ma è proprio questa difficoltà a stimolarmi».

E aggiunge: «Sto già lavorando a nuovi progetti fotografici, cercando prospettive e composizioni sempre diverse attraverso l’utilizzo del drone, nella speranza di riuscire un giorno a realizzare uno scatto degno di quel riconoscimento. In fondo, credo che avere sempre un nuovo obiettivo sia uno degli aspetti più belli della fotografia».

Le esposizioni resteranno aperte fino al 29 novembre 2026, il venerdì dalle 15 alle 19, il sabato, la domenica e i festivi dalle 10 alle 19. Il biglietto intero costa 17 euro, il ridotto per gli over 65 è di 14 euro, ed è valido per tutte le mostre del festival, anche in giornate diverse. Programma completo, sedi espositive e biglietti sono disponibili sul sito ufficiale dei Siena Awards.

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L'articolo Carlo Alberto Conti premiato ai Siena Awards 2026. Le sue foto in mostra a Siena proviene da Spezia Mirror.

La Giornata mondiale della salute mentale, celebrata il 10 ottobre, offre l’occasione per riflettere su un tema sempre più rilevante: l’accesso dei giovani ai servizi pubblici di sostegno psicologico.

Riceviamo e volentieri pubblichiamo il contributo delle psicologhe e psicoterapeute Arianna Grimaldi e Angelica Pea, che prendendo spunto dalla campagna promossa dall’Organizzazione mondiale della sanità per il 2026 raccontano un’esperienza maturata in un Consultorio Giovani della Toscana. 

Non soltanto dati e valutazioni, ma soprattutto le testimonianze dirette di adolescenti e giovani adulti che hanno affrontato un percorso psicologico. Le loro parole raccontano ciò che hanno trovato, ciò che è cambiato e ciò che ancora chiedono a un servizio pubblico chiamato a rispondere a bisogni sempre più complessi.

“Nel 1948, il mondo era appena uscito dalla Seconda Guerra Mondiale. Tra interi Paesi ancora sommersi nelle macerie, nasce l’Organizzazione Mondiale della Sanità (OMS). Alla prima assemblea viene condiviso un nuovo concetto di salute. «La salute è uno stato di completo benessere fisico, mentale e sociale, e non semplice assenza di malattia o di infermità» (OMS, 1948).

Nello stesso anno, a Londra viene fondata la World Federation for Mental Health (WFMH). La Federazione mondiale per la salute mentale si propone di tutelare e promuovere la salute mentale degli esseri umani. Favorire il riconoscimento precoce di un disturbo mentale, migliorare l’accesso alle cure per tutti, combattere stigma e pregiudizi.

In Italia, nel 1948 nasce il primo consultorio familiare di ispirazione cattolica. Successivamente, nel 1953, sempre a Milano, un gruppo di giornalisti, scienziati e intellettuali di diversa estrazione politica fonda il primo consultorio di ispirazione laica, orientato all’educazione demografica e alla consulenza contraccettiva. Nel 1975, i consultori familiari sono istituiti per legge (L. 405/1975) e nel 1978 vengono inseriti nell’organizzazione del Servizio sanitario nazionale (L. 833/1978). Dovremo attendere diversi decenni prima della costituzione in Italia di servizi consultoriali specificamente dedicati ai giovani.

Intanto, nel 1992 la Federazione mondiale per la salute mentale istituisce la Giornata mondiale della salute mentale, celebrata il 10 ottobre di ogni anno. L’Organizzazione mondiale della sanità (OMS) aderisce nel tempo a questo appuntamento, promuovendo campagne tematiche di sensibilizzazione diverse di anno in anno.

Per il 10 ottobre 2026, l’OMS ha lanciato la campagna “Lived experiences heard: real voices, real change”. Ascoltare le esperienze vissute: voci reali, vero cambiamento. Un’opportunità straordinaria per coinvolgere concretamente le persone che hanno avuto esperienza diretta di problemi di salute mentale (People with Lived Experience – PWLE), affinché le loro voci possano orientare politiche, servizi e decisioni su queste tematiche (OMS, 10 October 2026, https://www.who.int/campaigns/world-mental-health-day).

La voce dei giovani: l’esperienza di un consultorio pubblico

Leggendo questo invito, abbiamo pensato di condividere le voci dei giovani che hanno usufruito nel quadriennio 2020-2023 del servizio psicologico offerto presso un Consultorio Giovani ASL della Toscana.

Con le colleghe psicologhe e psicoterapeute, attive nel servizio in quegli anni post-pandemia, tenevamo come in uno scrigno prezioso i feedback rilasciati anonimamente dai giovani. Il titolo scelto dall’OMS per la Giornata mondiale 2026 sulla Salute Mentale ci ha incoraggiato ad aprire lo scrigno e condividere pubblicamente alcune delle preziose perle lasciate da quei ragazzi.

A fronte dei 150 adolescenti e giovani adulti (età 14-25 anni) che hanno effettuato un accesso al Consultorio Giovani nel quadriennio 2020-2023, a 100 “Utenti” (con recapiti e consenso al contatto) è stato inviato un Questionario di feedback. Le risposte sono state fornite online, in anonimato e nel rispetto della normativa sulla privacy.

Tralasciando in questa sede le note metodologiche su self-report e aggregazione statistica dei dati, ci teniamo a condividere qui alcuni aspetti qualitativi emersi.

Un primo dato è che il 61% ha risposto al questionario, esprimendo la voglia dei Giovani di far sentire la propria voce.

Molti adolescenti hanno indicato di essere venuti a conoscenza del servizio da “amici o compagni di classe”. Un dato che valorizza l’importanza di sentire da un coetaneo l’esperienza diretta di come ha affrontato un disagio/disturbo psicologico.

Tra i motivi di accesso sono stati riferiti vissuti depressivi, ansia e attacchi di panico. Una prevalenza sintomatologica confermata anche dai dati clinici nazionali ed internazionali per queste fasce di età.

L’80% ha espresso una valutazione del servizio in linea o superiore alle aspettative, indicando di aver apprezzato innanzitutto la tempestività del primo colloquio e dell’inizio del percorso di sostegno psicologico (avvenuto al massimo a 2 settimane dall’accesso).

Il 60% riferisce di aver effettuato incontri prevalentemente settimanali in un percorso di durata superiore a 3 mesi.

In merito al lavoro fatto con il terapeuta, l’85% ha apprezzato di aver avuto modo di ricostruire la propria storia e con ciò comprendere perché ha sviluppato un malessere/sintomi psicologici.

Il 70% ha riferito di aver lavorato anche sulla “realtà mentale non cosciente attraverso l’interpretazione dei sogni”: “È stato interessante e molto importante scoprire l’attività mentale inconscia ed il senso di un sogno”.

Un lavoro svolto con l’approccio psicodinamico della Teoria della Nascita dello psichiatra italiano Massimo Fagioli (1931-2017).

Con tale approccio sono stati condotti anche gli incontri di Gruppo. Un’esperienza quest’ultima che l’89% dei partecipanti indica come “positiva” o “molto positiva”, in quanto “vedere i cambiamenti nel tempo dei componenti del gruppo mi ha mostrato che si può cambiare, che il nostro modo di essere (pensare, reagire, affrontare i rapporti etc.) può trasformarsi nel tempo e con gli altri”.

“Ritieni che l’esperienza nel Gruppo abbia costituito un valore aggiunto nel tuo percorso psicologico?”

Il 90% ha risposto “Sì” o “decisamente Sì”.

Che cosa raccontano i ragazzi

“Cosa avresti voluto di diverso” nell’esperienza al Consultorio Giovani?

I ragazzi chiedono una maggiore durata del percorso psicologico e una maggiore frequenza dei colloqui laddove quindicinali o mensili. Il 40% avrebbe desiderato di poter effettuare un lavoro terapeutico più approfondito.

Un giovane scrive in modo esplicito: “vorrei che il trattamento standard non fosse soltanto di 8 incontri perché non sono sufficienti”.

“Cosa hai apprezzato di più nel tuo percorso?”

• “ho apprezzato …la disponibilità della terapeuta e la sua serietà con cui mi sono sbloccato e sono riuscito a continuare il percorso, anche quando pensavo di non riuscire a farcela. E’ riuscita a darmi determinate certezze ed è diventata un punto di riferimento”.
• “ho apprezzato …l’empatia e il tatto con cui la terapeuta si rivolgeva a me, la comprensione e la sensazione di non sentirmi giudicata nell’esporre i miei complessi e le mie difficoltà.”
• “ho apprezzato …la costanza delle sedute perché credo che sia importante dare un senso di stabilità ai ragazzi. Ma soprattutto mi sentivo al sicuro, un luogo completamente per me.”
• “ho apprezzato …il rapporto umano, non solo di cura, che si è instaurato con la terapeuta e soprattutto con i miei compagni/e di gruppo. Il lavoro di cura che va così in profondità. Mi ha appassionato moltissimo il lavoro con l’inconscio, nonostante lo scetticismo iniziale”.
• “ho apprezzato …il fatto di essere riuscita a capire da dove provenissero dei miei comportamenti e modi di pensare. E sono riuscita ad arrivare a determinate conclusioni solo tramite una profonda riflessione anche a livello familiare”.

In conclusione, al Questionario i giovani hanno lasciato queste preziose considerazioni:

“In me ho visto una trasformazione vera e propria del pensiero e credo che sia un percorso che tutti dovrebbero fare nella vita”.

“Io sono rimasta molto soddisfatta e ritengo che debba essere ampliato e soprattutto più diffuso tra i giovani, perché trovo sia molto utile soprattutto durante il periodo dell’adolescenza”.

“Credo che sia uno strumento imprescindibile in una comunità, che andrebbe ampliato, incentivato e fatto conoscere di più”.

Concludiamo così un piccolo contributo venuto spontaneo dal leggere l’invito dell’Organizzazione mondiale della Sanità a dar voce alle esperienze reali e concrete di chi ha vissuto veri momenti di disagio psicologico – talvolta un vero e proprio esordio psicopatologico – trovando una risposta che deve essere garantita a tutti all’interno di un sistema pubblico sempre più attento alle esigenze di Salute Mentale dei Giovani.

Ci vorrà del tempo, risorse economiche e organizzative per raggiungere tutto questo, ma intanto i Giovani ci indicano chiaramente in che direzione andare per il Futuro.”

A cura delle dott.sse Arianna Grimaldi e Angelica Pea, psicologhe e psicoterapeute, specializzazione dinamico-relazionale Scuola Bios Psychè.

Si ringrazia la dott.ssa Monica Fantechi, psicologa e psicoterapeuta, Responsabile Rete Clinica Tutela minori e Vulnerabilità familiare ASL Toscana Sud Est, per i preziosi progetti svolti insieme nei Consultori Giovani.

Leggi anche su Spezia Mirror: Quando la parola “malattia mentale” si innamorò della parola “cura”

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Dalla felice esperienza di Sunspace nasce un progetto che riunisce otto realtà associative e punta a coinvolgere associazioni, cittadini, imprese e istituzioni. Musica, teatro, arte e incontri in uno spazio aperto alla città. Lunedì 12 ottobre il debutto con Tullio Solenghi.

Alla Spezia le associazioni culturali non mancano. Non mancano le idee, le competenze, gli artisti e neppure la voglia di fare. Più difficile, qualche volta, è riuscire a mettere insieme tutte queste energie, superando la tendenza di ciascuno a coltivare il proprio progetto, spesso con risorse limitate e senza un luogo stabile nel quale svilupparlo.

Sapri 68 nasce proprio per provare a cambiare questa situazione.

Il nuovo progetto culturale, presentato venerdì 9 ottobre negli spazi di Sunspace, in via Sapri 68, ha un’ambizione che va oltre l’organizzazione di spettacoli, concerti o mostre: costruire una comunità capace di condividere luoghi, competenze, idee e responsabilità.

Non una nuova associazione che si aggiunge semplicemente alle tante già esistenti, ma una rete che mette insieme realtà diverse, ciascuna con la propria storia e identità, intorno a un progetto comune. Un esperimento che, se riuscirà a consolidarsi, potrebbe contribuire a modificare il modo in cui una parte della cultura spezzina viene organizzata, prodotta e proposta alla città.

Da Sunspace a Sapri 68: un percorso che continua

Per comprendere il significato dell’iniziativa bisogna partire da Sunspace e dall’esperienza avviata tre anni fa da Francesco Pelosi e Nicholas Figoli, attraverso SUNTIMES, l’agenzia creativa che ha scelto di investire in uno spazio nel centro cittadino, trasformando un luogo precedentemente chiuso e di dubbia reputazione in un ambiente dedicato alla creatività e alla condivisione.

In questi anni, all’interno dell’ex cinema Diana, si sono susseguiti eventi di ogni genere: dalla musica alle presentazioni di libri, dalle mostre ai dibattiti e alle premiazioni. Sul palco sono salite, tra le altre, personalità come il procuratore Nicola Gratteri e il politico Alessandro Di Battista.

Più recentemente, i due fine settimana di Tabula Rasa – Laboratorio di Futuro hanno segnato un momento di transizione verso Sapri 68, il nuovo progetto che prende forma grazie all’impegno di Michele Codeglia, Milo Campagni e Roberto Alinghieri, insieme alle associazioni che hanno dato vita a Mesciua ETS.

Non si tratta, tuttavia, di un semplice passaggio di testimone, ma di un ampliamento della famiglia di Sunspace, che prosegue la propria esperienza aprendosi a nuove energie e a una dimensione culturale ancora più condivisa.

Nicholas Figoli ha ricordato come l’obiettivo originario fosse proprio quello di portare la creatività nel centro della città, offrendo uno spazio nel quale esperienze differenti potessero incontrarsi e contaminarsi.

Un’immagine emersa durante il suo intervento rende bene il senso di questa trasformazione: negli spazi di Sunspace, accanto agli uffici dell’agenzia creativa, si sentono già le voci dei bambini impegnati nelle attività, le prove teatrali e quelle musicali.

Francesco Pelosi ha sottolineato come questa nuova fase rappresenti la naturale prosecuzione del lavoro svolto, con l’auspicio che il collettivo di associazioni possa rendere lo spazio ancora più frequentato e riconoscibile nella vita culturale cittadina.

Mesciua ETS: otto associazioni, un progetto comune

Il cuore organizzativo di Sapri 68 è Mesciua ETS, un’associazione di associazioni che riunisce, almeno in questa prima fase, otto realtà del territorio:

• Si Viaggiare ETS, Associazione Giovani in Rete APS (AGIRE), Compagnia degli Evasi APS, Associazione Culturale CulturAutismo ODV, A.P.S. Mirpò, Associazione Corale Four Steps Choir, Collettivo Sgabei,Moto Contrario APS.

Il nome scelto non è casuale. La mesciua, piatto tradizionale spezzino, diventa la metafora di un progetto nel quale ogni componente conserva la propria identità, contribuendo però a un risultato collettivo.

Michele Codeglia, illustrando il percorso che ha portato alla nascita della nuova realtà associativa, ha ricordato il lungo lavoro di incontri e confronti necessario per riunire attorno allo stesso tavolo organizzazioni con storie, esigenze e disponibilità economiche differenti. Un iter non sempre semplice, segnato anche da discussioni e incomprensioni, ma sostenuto dalla convinzione che la collaborazione possa consentire di raggiungere risultati difficilmente realizzabili dalle singole associazioni.

L’obiettivo non è cancellare le differenze, ma fare in modo che diventino una risorsa.

E soprattutto la rete non viene considerata conclusa. Come ha ribadito Codeglia, Mesciua ETS nasce come una struttura aperta, disponibile ad accogliere altre associazioni, gruppi e singole persone interessate a partecipare al progetto.

La presenza di realtà impegnate non soltanto nella produzione artistica, ma anche nell’ambito sociale, testimonia inoltre la volontà di attribuire alla cultura una funzione più ampia, legata all’incontro, all’inclusione e alla partecipazione.

Un laboratorio durante la settimana, un palcoscenico nel weekend

Come funzionerà concretamente Sapri 68? Il progetto prevede due dimensioni complementari. Durante la settimana gli spazi saranno utilizzati dalle associazioni per le proprie attività: laboratori teatrali, improvvisazione, prove musicali, incontri, preparazione degli spettacoli e sviluppo di nuovi progetti. Non soltanto un luogo nel quale presentare qualcosa al pubblico, quindi, ma anche uno spazio nel quale lavorare, sperimentare e costruire contenuti culturali.

Nel fine settimana, invece, prenderà forma un vero e proprio cartellone di appuntamenti aperti alla città.

La programmazione comprenderà musica, teatro, mostre, libri, proiezioni, incontri e sperimentazioni, alternando artisti e ospiti di rilievo nazionale alle produzioni delle realtà locali. È una distinzione importante: Sapri 68 vuole essere contemporaneamente un laboratorio di produzione e un luogo di rappresentazione.

100 cittadini per sostenere la cultura

C’è poi un altro elemento che distingue il progetto: la ricerca di una comunità di sostenitori, chiamata a contribuire non soltanto alla partecipazione alle iniziative, ma anche alla loro sostenibilità economica. Milo Campagni ha richiamato l’attenzione sulla necessità di costruire intorno a Sapri 68 una comunità fatta di persone, competenze e conoscenze, capace di accompagnare la crescita del progetto.

Da qui la campagna per coinvolgere almeno 100 soci sostenitori, con una quota di 100 euro valida fino alla fine del 2027. Una formula che punta a creare un primo nucleo di cittadini direttamente coinvolti nella crescita dell’iniziativa.

Per chi aderirà saranno riservate alcune opportunità, tra cui la priorità nell’acquisto dei biglietti, condizioni dedicate per determinati incontri con gli artisti e la partecipazione a iniziative specifiche. Ma il significato dell’operazione va oltre questi vantaggi.

Parallelamente, i promotori intendono rivolgersi al mondo imprenditoriale spezzino. Durante la conferenza stampa è stato osservato come molte aziende del territorio siano tradizionalmente abituate a sostenere lo sport, il calcio e altre attività. La sfida sarà convincerne almeno una parte a considerare la cultura come un settore nel quale investire con continuità.

Un appello è stato rivolto anche alle istituzioni, dalle quali la nuova realtà si attende attenzione e disponibilità al confronto. La questione delle risorse, naturalmente, sarà uno dei banchi di prova del progetto. Sapri 68 sceglie di affrontare questo problema attraverso una responsabilità condivisa tra associazioni, cittadini, imprese e, auspicabilmente, istituzioni.

Si comincia con Tullio Solenghi

Il primo appuntamento del nuovo corso è già fissato e porta sul palco un protagonista molto conosciuto dello spettacolo italiano. Lunedì 12 ottobre Sapri 68 ospiterà Tullio Solenghi, in una serata che lo vedrà dialogare con l’attore spezzino Roberto Alinghieri, tra i protagonisti del nuovo progetto culturale.

Non uno spettacolo tradizionale, ma un dialogo tra ricordi, aneddoti, incontri e progetti, attraverso il quale Solenghi ripercorrerà alcuni momenti significativi della propria carriera. A fare da filo conduttore saranno anche i grandi maestri e gli artisti che hanno segnato il suo percorso, da Achille Campanile a Umberto Eco, da Woody Allen a Paolo Villaggio.

Un viaggio che attraverserà il teatro, la comicità e la televisione, dall’esperienza del celebre Trio con Anna Marchesini e Massimo Lopez al rapporto con la tradizione teatrale di Gilberto Govi e Carlo Goldoni.

Un debutto che indica la volontà di affiancare alla valorizzazione delle energie locali anche incontri con protagonisti della scena culturale nazionale. Ma il cartellone di eventi è già ampio. Sono già fissati fino a dicembre molti appuntamenti che via via saranno annunciati alla città, dall’agenda qui a fianco se ne può già prendere atto.

Sapri 68 parte dunque con una grande ambizione.

La sua vera sfida si giocherà nella capacità di tenere insieme associazioni differenti, accoglierne di nuove, costruire una programmazione riconoscibile, coinvolgere pubblici eterogenei e trovare le risorse necessarie per dare continuità alle attività.

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Al Castello di Lerici la mostra dedicata all’artista spezzino nel cinquantesimo anniversario della scomparsa. Un percorso tra paesaggi, ritratti, sperimentazioni pittoriche e le drammatiche testimonianze della prigionia a Mauthausen. In un video Francesco Vaccarone racconta il suo maestro.

Giuseppe Umberto Caselli, per tutti Pino Caselli, è uno di quegli artisti che gli spezzini conoscono da sempre. Le sue marine, le vedute del Golfo, i paesaggi della costa sono entrati nelle case di generazioni di collezionisti e di persone comuni, diventando quasi parte dell’identità figurativa del territorio. Ma Caselli non è stato soltanto il pittore delle marine. La sua produzione attraversa linguaggi, tecniche e sensibilità differenti, raccontando un artista capace di confrontarsi con alcune delle grandi correnti della pittura del Novecento.

È proprio questo il Caselli che la mostra “Caselli 50” intende restituire al pubblico, nel cinquantesimo anniversario della sua scomparsa.

L’esposizione, promossa dal Comune di Lerici in collaborazione con STL (Sviluppo Turistico Lerici) e curata da Paolo Asti e dall’Associazione Startè insieme all’Archivio Caselli, viene inaugurata sabato 10 ottobre alle ore 17 al Castello di Lerici e resterà aperta fino al 29 novembre.

Novanta opere, provenienti da collezioni pubbliche e private, per ricostruire un percorso artistico che va ben oltre la rappresentazione del paesaggio ligure.

Pino Caselli, una vita alla Spezia e una pittura aperta al Novecento

Nato il 5 luglio 1893 a Villarottan (RE), Giuseppe Guglielmo Umberto Caselli si trasferisce ancora bambino alla Spezia, città nella quale vivrà e lavorerà per tutta la vita, fino alla morte, avvenuta il 19 dicembre 1976.

La sua formazione artistica passa attraverso la Scuola libera del nudo dell’Accademia di Belle Arti di Firenze e prosegue alla Spezia con il maestro Felice Del Santo, che frequenta insieme all’amico Ercole Salvatore Aprigliano.

Sono anni nei quali il giovane Caselli entra in contatto con un ambiente artistico particolarmente vivace. Conosce Antonio Discovolo e Lorenzo Viani e, già dal 1913, frequenta il mondo culturale che gravita intorno alla rivista L’Eroica, fondata dallo scrittore spezzino Ettore Cozzani.

La sua pittura, inizialmente vicina al divisionismo dei primi anni del Novecento, evolve progressivamente verso un espressionismo personale, nel quale il colore e la composizione diventano strumenti per rappresentare non soltanto ciò che l’artista vede, ma anche ciò che sente.

È una ricerca che lo accompagnerà per tutta la vita, anche quando il paesaggio del Golfo diventerà uno dei soggetti più riconoscibili della sua produzione.

Mauthausen, la prigionia e gli incubi delle Erinni

Un passaggio decisivo nella vita e nell’arte di Caselli è rappresentato dalla Prima guerra mondiale.

Catturato e internato nel campo di prigionia di Mauthausen, in Austria, vi rimane dal 1915 al 1918. Si tratta del campo per prigionieri di guerra della Grande Guerra, da non confondere con il successivo campo di concentramento nazista.

L’esperienza della prigionia segna profondamente il pittore. La sua tavolozza e il suo linguaggio si fanno più duri, le immagini assumono una forza drammatica che trova espressione nelle opere dedicate all’internamento e, successivamente, nel ciclo delle Erinni, figure inquietanti che richiamano gli incubi e le visioni di Francisco Goya.

Sono dipinti che sembrano anticipare, nella loro tensione espressiva, gli orrori che avrebbero attraversato l’Europa durante la Seconda guerra mondiale.

È stato anche ipotizzato che durante gli anni della prigionia Caselli possa essere entrato in contatto con Egon Schiele, attivo a Vienna in quello stesso periodo.

La mostra dedica uno spazio specifico alle opere legate a Mauthausen, collocate nelle celle del Castello, dove il rapporto tra i dipinti e l’ambiente contribuisce a restituire la drammaticità di quella esperienza.

Paolo Asti, presidente dell’Associazione Startè e segretario dell’Archivio Caselli, si interroga anche sul significato che la pittura può aver avuto per l’artista durante la prigionia: forse una forma di resistenza interiore, quasi una terapia per affrontare una condizione di estrema sofferenza.

Francesco Vaccarone racconta il maestro

Tra gli elementi più interessanti della mostra c’è anche un video nel quale Francesco Vaccarone, allievo di Caselli, racconta il pittore attraverso ricordi personali, aneddoti e testimonianze.

Vaccarone sottolinea come il valore artistico del maestro fosse riconosciuto e apprezzato anche da importanti personalità del mondo dell’arte e della cultura, ben oltre i confini spezzini.

Vaccarone aveva appena sedici anni quando, nel 1956, entrò per la prima volta nello studio del maestro.

«La bellezza e la tragedia animavano le sue immagini», avrebbe ricordato molti anni dopo, descrivendo la convivenza, sulle pareti dello studio, delle inquietanti Erinni con i dipinti nati dalla meraviglia per il paesaggio e la costa spezzina. «Vederlo lavorare era sempre un nuovo spettacolo di bravura, di intelligenza, di poesia, di grande padronanza tecnica».

Un giudizio che Vaccarone estendeva anche alle ultime opere dipinte da Caselli negli anni Settanta, nello studio di Santo Stefano Magra, ammirandone la capacità di sintesi e l’orchestrazione dei bianchi.

«È stato per me un maestro a cui devo molto. Mi ha insegnato a dar voce senza timore alle mie inclinazioni, alla mia creatività».

Vaccarone, scomparso nel 2024, mantenne per tutta la vita un rapporto profondo con la memoria del maestro, tanto da assumere la presidenza dell’Archivio Caselli, incarico ricoperto fino alla morte.

Un artista amato dagli spezzini, ma poco presente nei grandi circuiti espositivi

Nel corso della sua lunga carriera Caselli realizza migliaia di opere. Dipinge il Golfo, la costa, la Lunigiana, le barche, i pescatori, i personaggi della vita cittadina. Una produzione vastissima, che trova nelle abitazioni spezzine una diffusione probabilmente senza confronti con quella di altri pittori locali. Eppure la sua presenza nelle grandi esposizioni e nei circuiti artistici nazionali non appare proporzionata alla quantità e alla qualità del lavoro prodotto.

Nel 1933 partecipa al Premio nazionale di pittura del Golfo, organizzato da Filippo Tommaso Marinetti, tornando poi in numerose edizioni successive. Espone anche alla Società Promotrice di Belle Arti di Genova e in diverse rassegne regionali e nazionali.

Tra le mostre personali ricordiamo quellla del 1930 all’Albergo Croce di Malta , alla Galleria Adel nel 1959 e alla Galleria Minotauro nel 1971. Nel 1981, cinque anni dopo la morte, gli viene dedicata un’esposizione al Centro Allende. Ma le vere gallerie di Caselli sono ancora le case degli spezzini. Chi possiede una sua opera la conserva gelosamente e valorizza l’attività svolta dall’Archivio Caselli, istituito da Startè nel 2016, che ha censito e catalogato centinaia di opere appartenenti a collezioni pubbliche e private.

Dalle case dei collezionisti al Castello di Lerici

Proprio i collezionisti hanno avuto un ruolo fondamentale nella realizzazione di “Caselli 50”, mettendo a disposizione opere normalmente custodite nelle loro abitazioni. «Le opere viaggiano, non stanno mai ferme. Viaggiano al punto che oggi hanno lasciato le vostre case e sono arrivate a una mostra, in un castello», osserva Paolo Asti.

E le opere di Caselli hanno viaggiato anche molto lontano. Le sue marine sono approdate sul mercato internazionale, raggiungendo città come Londra, New York e Boston.

Asti racconta anche una curiosità, precisando di non averne una conferma documentale: qualcuno avrebbe riconosciuto una marina di Caselli sullo sfondo di una scena di un film hollywoodiano con Frank Sinatra.

Un’ipotesi che potrebbe trovare una spiegazione nella presenza delle navi americane alla Spezia nel dopoguerra, quando marinai e ufficiali avrebbero potuto acquistare dipinti del Golfo per portarli con sé negli Stati Uniti.

Una mostra per scoprire un Caselli meno conosciuto

L’allestimento al Castello di Lerici è organizzato per nuclei tematici, con particolare attenzione alla varietà dei linguaggi pittorici e alle differenti stagioni della produzione dell’artista. Un lavoro complesso, anche per le caratteristiche degli spazi storici del Castello, che non dispone delle attrezzature di un museo tradizionale.

La mostra segna il ritorno di una grande esposizione monografica dedicata a Caselli nel territorio lericino, a dieci anni da “Con gli occhi di Caselli”, allestita nel 2016 al Castello di San Terenzo.

La mostra che viene inaugurata oggi è stata presentata anche nella Sala Stampa della Camera dei Deputati, alla presenza del presidente della Commissione Cultura Federico Mollicone e di Umberto Croppi, presidente dell’Accademia di Belle Arti di Roma. Un riconoscimento istituzionale che contribuisce a riportare l’attenzione su un artista la cui opera merita di essere conosciuta anche fuori dal territorio spezzino.

Accanto all’esposizione al Castello sono previste una mostra diffusa nelle attività commerciali del territorio, la pubblicazione di un ricchissimo catalogo e iniziative rivolte ai bambini e ai ragazzi.

Leggi anche:Svelato il “dipinto ritrovato”: al Castello di Lerici una mostra che racconta cinque secoli di immagini

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Caselli 50 – Castello di Lerici

Inaugurazione: sabato 10 ottobre 2026, ore 17.

Periodo espositivo: dal 10 ottobre al 29 novembre 2026.

Informazioni: www.archiviocaselli.it – info@starteitalia.it

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Dalla risposta enigmatica all’annuncio del Nobel al dialogo con i grandi autori dell’antichità: un viaggio nella poesia di Anne Carson, tra suoni, mito e sperimentazione letteraria.

Anne Carson ha vinto il Premio Nobel per la Letteratura 2026 «per la sua opera audace e creativa che, in un dialogo giocoso con la tradizione classica, ha dato vita a nuove forme per la letteratura contemporanea».

Quando ha ricevuto al telefono la notizia dalla segretaria permanente dell’Accademia di Svezia ha risposto enigmaticamente che era felice, ma si trovava in Islanda «ad ascoltare il vento».

Credo che solo Eugenio Montale, quando fu messo a conoscenza di aver vinto il Nobel, abbia detto una frase altrettanto interessante ai giornalisti presenti nella sua casa: «Mi viene un dubbio: nella vita trionfano gli imbecilli. Lo sono anch’io?»

Se il pensiero di Montale è facile da decodificare, chissà cosa avrà voluto dire la Carson con quella frase: «Sono in Islanda ad ascoltare il vento».

Il suono come chiave di lettura della sua poesia

Forse, per avvicinarci a una pur minima comprensione del suo pensiero, è bene ricordare che è proprio con due immagini di suono che si apre e si chiude Vetro, ironia e Dio, una delle sue più importanti raccolte poetiche, originariamente pubblicata nel 1995 da New Directions, storica casa editrice di James Laughlin, e in Italia grazie al grande (benché piccolo) editore Crocetti, nella traduzione di Patrizio Ceccagnoli.

Il suono, infatti, è la chiave di lettura di questo testo così eterogeneo: «Nei miei sogni sento il ticchettio», così recita il primo verso.

La storia umana, ci dice Carson, è piena di suoni considerati sgradevoli, addirittura inaccettabili: voci acute, pettegolezzi, logorrea, isteria, lamenti e grida rituali. Chi li produce? Chi è il deviante o il carente rispetto all’ideale maschile di autocontrollo? Donne, eunuchi e androgini rientrano tutti in questa categoria. «Ogni suono che emettiamo è una sorta di autobiografia».

La cultura classica e il dialogo con gli antichi

Non è di facile comprensione questa settantaseienne nata a Toronto, in Canada. Tanto per cominciare, per capire qualcosa della sua poesia occorre un prerequisito: una solida cultura classica.

La grande passione di Anne Carson è infatti il greco antico, tanto che l’unica informazione biografica che talora compare sui suoi libri, in quarta di copertina, è molto spesso: «Anne Carson è nata in Canada e si guadagna da vivere insegnando il greco antico».

E allo sprovveduto che le chiese, qualche tempo fa, quale libro uscito nell’anno in corso le fosse piaciuto di più, rispose sorridendo che lei non legge libri pubblicati di recente, ma solo quelli scritti nel 500 a.C.

E non stupiamoci di tale risposta, perché quello che c’era da capire e da trasmettere lo hanno già fatto, proprio secoli e secoli fa, autori come Sofocle, Euripide, Eschilo, poeti come Saffo, Catullo, Ovidio… e pochi altri.

E la Carson, professoressa di lettere classiche, è proprio esperta in particolare di Saffo ed Euripide, il che significa l’immensità del pensiero.

Nel 1981 ha presentato la sua tesi di dottorato in studi classici, intitolata Odi et Amo Ergo Sum, ma nel corso della sua carriera ha affiancato alla scrittura poetica anche l’attività di traduttrice e l’insegnamento presso diverse università, e ha vinto due Griffin Poetry Prize e il Premio Principessa delle Asturie nel 2020.

Tra i suoi libri pubblicati in Italia troviamo Era una nuvola (2021) e Come l’acqua (2025), usciti entrambi per Crocetti, e Autobiografia del rosso, edito da La Nave di Teseo.

Era una nuvola (Crocetti, 2021) è una versione dell’Elena di Euripide, un «melologo» che intreccia diversi generi e lega parola e musica, antico e moderno, in cui Carson rilegge la tragedia del V secolo, dando vita a un’opera immersa nel presente.

«Oltre che essere – scrive il curatore Patrizio Ceccagnoli – una riflessione antimilitaristica sulla guerra e un possente atto d’accusa sulla condizione della donna, esattamente come nell’originale greco, […] è anche una meditazione sulle conseguenze del desiderio e della bellezza, sul rapporto tra verità e menzogna, sul tema del conflitto, sia pubblico sia privato, inteso in senso militare e al contempo sentimentale».

Per La Tartaruga è uscito il saggio romanzato La bellezza del marito nel 2022; nel 2023 nelle librerie italiane è arrivato Decreazione, nel quale la Carson esplora la decreazione di Simone Weil come disfacimento del sé e delle forme letterarie, intrecciando critica e filosofia in un caleidoscopio di dialoghi.

Per terminare questo brevissimo excursus, possiamo dire che Anne Carson, saggista e traduttrice, oltre che poetessa, ha fatto della contaminazione tra linguaggi il principio della propria ricerca.

Nei suoi libri convivono poesia e prosa, riflessione filosofica e invenzione teatrale, autobiografia e mito. La familiarità con Eschilo, Euripide, Saffo, Sofocle e Catullo si accompagna all’influenza di autori moderni come Emily Brontë, Emily Dickinson, Oscar Wilde, Kafka e Paul Celan.

Le donne del Nobel e il legame con il LericiPea

Con Anne Carson salgono così a diciannove le donne insignite del Premio Nobel per la Letteratura, a fronte di 105 uomini. Una sproporzione che racconta la lunga difficoltà incontrata dalle donne nel vedere riconosciuto il proprio contributo alla cultura. Ma la tendenza pare ormai essersi invertita.

La prima vincitrice fu la svedese Selma Lagerlöf, nel 1909. Nel 1926 il riconoscimento andò a Grazia Deledda, prima e finora unica donna italiana a riceverlo.

Tra le premiate più recenti: Olga Tokarczuk, Louise Glück, Annie Ernaux e Han Kang.

Carson è inoltre la seconda autrice canadese a ottenere il Nobel letterario dopo Alice Munro, premiata nel 2013.

Ricordiamo che Louise Glück è stata insignita del Premio LericiPea Golfo dei Poeti. Anche Anne Carson era stata presa in considerazione per il prestigioso riconoscimento, ma il progetto non si è concretizzato a causa di difficoltà varie.

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Oltre trenta opere raccontano gli anni della formazione dell’artista, tra il 1975 e il 1980. L’esposizione inaugura il progetto “Oltreconfine”, mentre Comune e Fondazione Carispezia rinnovano fino al 2029 la collaborazione per il museo.

Il CAMeC della Spezia dedica la sua nuova mostra temporanea a Francesco Clemente, uno dei protagonisti dell’arte contemporanea internazionale e tra i principali esponenti della Transavanguardia italiana.

Francesco Clemente. Opere 1975–1980. Il primato del disegno, inaugurata sabato 10 ottobre in occasione della XXII Giornata del Contemporaneo, rimarrà aperta fino al 29 marzo 2027.

L’esposizione, curata da Francesco Guzzetti, presenta oltre trenta opere tra disegni, fotografie e dipinti, provenienti da collezioni private e istituzionali, alcune delle quali non più esposte dagli anni della loro realizzazione. È la prima mostra italiana interamente dedicata a questa fase della produzione dell’artista.

Si tratta della quarta esposizione temporanea organizzata nell’ambito del nuovo corso del CAMeC, avviato nell’ottobre 2024 grazie alla collaborazione tra il Comune della Spezia e Fondazione Carispezia.

Francesco Clemente, da Napoli all’India e a New York

Nato a Napoli nel 1952, Francesco Clemente ha sviluppato un percorso artistico caratterizzato da continui spostamenti geografici e culturali.

Dopo gli anni trascorsi a Roma, all’inizio degli anni Ottanta si trasferisce a New York, mantenendo un rapporto costante con l’India, dove aveva iniziato a soggiornare già nel 1973. La cultura e la spiritualità orientali diventano elementi ricorrenti della sua produzione, insieme ai riferimenti alla tradizione artistica occidentale.

Clemente è considerato uno dei protagonisti della Transavanguardia, il movimento artistico affermatosi tra la fine degli anni Settanta e l’inizio degli Ottanta che, dopo una stagione dominata dall’arte concettuale e dalle sperimentazioni dell’Arte Povera, riportò al centro dell’attenzione la pittura, la figurazione e la soggettività dell’artista.

La mostra spezzina si concentra proprio sugli anni nei quali Clemente elabora il linguaggio che caratterizzerà la sua successiva produzione.

Il percorso espositivo ricostruisce il passaggio dalla fotografia, inizialmente molto presente nel lavoro dell’artista, al disegno, che diventa progressivamente il suo principale mezzo espressivo.

Le prime opere documentano le sperimentazioni fotografiche degli anni 1975 e 1976, nelle quali immagini quotidiane e oggetti vengono accostati secondo associazioni personali, spesso influenzate dalla filosofia orientale.

Seguono i lavori realizzati tra il 1977 e il 1978, quando Clemente torna a utilizzare con maggiore continuità matite, pastelli, acquerelli, tempere e inchiostri. Il disegno gli consente di rappresentare figure umane, simboli, riferimenti autobiografici e immagini legate alla memoria e all’immaginazione.

Particolare attenzione è riservata agli autoritratti monumentali del 1979, nei quali il corpo umano viene rappresentato attraverso deformazioni e trasformazioni, e ai primi dipinti a olio del 1980.

Tra le opere esposte figurano anche lavori provenienti dalla Collezione Maramotti di Reggio Emilia e dalla Collezione Luigi e Peppino Agrati – Intesa Sanpaolo.

Una selezione di fotografie documenta inoltre la vita e l’attività di Clemente, dai ritratti degli anni Settanta alle immagini che lo mostrano al lavoro in India e nel suo studio newyorkese.

La mostra non si limita quindi a presentare singole opere, ma intende ricostruire l’evoluzione di un linguaggio artistico attraverso un periodo relativamente breve e decisivo della carriera di Clemente.

Con Clemente prende il via il progetto “Oltreconfine”

L’esposizione inaugura “Oltreconfine. Arte italiana 1968–1989”, un progetto ideato dal direttore artistico del CAMeC, Arturo Galansino, e articolato in tre mostre curate da Francesco Guzzetti.

Dopo Clemente, il programma proseguirà con esposizioni dedicate ad Alighiero Boetti e Salvo, due artisti che, attraverso percorsi differenti, hanno contribuito al rinnovamento dell’arte italiana nella seconda metà del Novecento.

L’obiettivo dichiarato è approfondire aspetti meno conosciuti della produzione di questi autori, presentando anche opere raramente esposte e proponendo nuove occasioni di studio e interpretazione.

Il progetto si inserisce nel percorso di ricerca che il CAMeC intende sviluppare anche attraverso il contributo del nuovo Comitato Scientifico.

Da Morandi e Fontana a Francesco Clemente: quattro mostre per il nuovo CAMeC

Con Francesco Clemente salgono a quattro le esposizioni temporanee presentate dopo la riapertura del CAMeC, avvenuta il 4 ottobre 2024 con il riallestimento della collezione permanente curato da Gerhard Wolf, che comprende oltre duecento opere.

La prima mostra, “Morandi e Fontana. Invisibile e Infinito”, inaugurata nell’aprile 2025, ha messo a confronto due figure fondamentali dell’arte italiana del Novecento, registrando oltre diecimila visitatori.

È seguita “Fotosintesi. La visione fotografica di Carla Sozzani”, dedicata alla raccolta fotografica della nota collezionista, con opere di autori italiani e internazionali.

La terza esposizione, “Ripensando il Romanticismo”, ha proposto una rilettura contemporanea dei temi e delle suggestioni del Romanticismo attraverso opere di diversi artisti.

Quattro progetti molto differenti tra loro, che testimoniano la varietà degli indirizzi espositivi seguiti dal museo nel corso di questi due anni.

Una varietà che non sempre si traduce in un’immediata capacità di coinvolgere il visitatore. Dopo il felice esordio con Morandi e Fontana, le proposte successive hanno privilegiato linguaggi e percorsi interpretativi più complessi, non sempre di facile lettura per un pubblico non specialistico. La mostra di Clemente come prima impressione sembra proseguire in questa direzione.

Comune e Fondazione Carispezia: rinnovato fino al 2029 il partenariato per il CAMeC

Proprio in occasione della presentazione della nuova mostra è stato annunciato il rinnovo fino al 2029 del partenariato tra Comune della Spezia e Fondazione Carispezia, sulla base di un protocollo d’intesa approvato dalla Giunta comunale per il triennio 2027–2029.

L’accordo originario, sottoscritto nel novembre 2023, aveva dato avvio al progetto di rinnovamento del museo, riguardante gli spazi espositivi, la collezione permanente, la programmazione culturale e le attività di promozione.

Secondo i dati diffusi dall’amministrazione comunale, nei primi due anni del nuovo corso il CAMeC ha registrato oltre 33 mila visitatori, circa 120 eventi e 1.500 bambini e ragazzi coinvolti nelle attività didattiche.

Il sindaco Pierluigi Peracchini ha indicato nel rinnovo dell’accordo la possibilità di dare continuità al lavoro svolto, mentre il presidente di Fondazione Carispezia, Andrea Corradino, ha sottolineato l’importanza di rafforzare il rapporto tra il museo, il territorio e le istituzioni culturali nazionali e internazionali.

Il nuovo protocollo accompagnerà dunque anche la programmazione delle prossime esposizioni, a cominciare dal ciclo dedicato all’arte italiana tra il 1968 e il 1989.

Come visitare la mostra

Francesco Clemente. Opere 1975–1980. Il primato del disegno

Sede: CAMeC – Centro d’Arte Moderna e Contemporanea, Piazza Cesare Battisti 1, La Spezia.

Periodo: dal 10 ottobre 2026 al 29 marzo 2027.

Orari: dal martedì alla domenica, dalle 10 alle 19. Il primo venerdì del mese apertura prolungata fino alle 22. Chiuso il lunedì e il 25 dicembre.

Biglietti per collezione permanente e mostra temporanea:

• Intero: 15 euro. Ridotto under 26 e over 65: 8 euro. Residenti nella provincia della Spezia: 5 euro.Ingresso gratuito per i minori di 18 anni, le scolaresche con docenti accompagnatori, le persone con disabilità e gli eventuali accompagnatori, i giornalisti con tessera dell’Ordine e le altre categorie previste dal regolamento del museo. La prima domenica del mese ingresso a 2 euro, ferme restando le gratuità previste.

Informazioni: www.camec.sp.it

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Il 13 ottobre Andrea Mordacci torna al Centro anziani di piazza Brin per una conferenza dedicata alla cultura Tharu del Nepal. Nell’intervista di Paolo Luporini, un viaggio tra animismo, arte tribale, tradizioni e trasformazioni di un popolo che Mordacci studia da trent’anni.

Al Centro anziani di piazza Brin, in via Filippo Corridoni 7 nel quartiere Umbertino della Spezia, il 13 ottobre 2026 alle 17:30 si terrà una nuova conferenza del prof. Andrea Mordacci, studioso affermato dell’arte tribale himalayana e uno dei pochissimi esperti internazionali della cultura Tharu.

Mordacci torna dunque al Centro anziani di piazza Brin, dove era già stato protagonista, il 28 ottobre dello scorso anno, della conferenza multimediale “I mille volti del divino: Arte e Sciamanesimo nell’Arte Tribale Himalayana”, dedicata alle sue ricerche in Nepal e alla figura dell’orientalista ed esploratore Giuseppe Tucci. Un incontro che SpeziaMirror aveva anticipato con una lunga intervista curata da Paolo Luporini.

Questa volta al centro dell’incontro saranno le tradizioni tribali e sciamaniche della comunità indigena del popolo Tharu.

È dal 1995 che Andrea Mordacci, dopo letture di Giuseppe Tucci, orientalista ed esploratore italiano con frequentazioni spezzine, segnatamente il libro “Nepal: alla scoperta dei Malla”, trovato in una bancarella, si diresse per la prima volta in Nepal, dove scoprì la cultura e l’arte tribale himalayana. Tornò nel subcontinente indiano e in altri Paesi dell’Asia e dell’Africa, affascinato dall’animismo dei popoli che incontrava, vivendo con loro, dormendo come loro ospite, condividendo il loro cibo e cercando una comunicazione diretta anche tramite l’acquisto di oggetti sacri di arte tribale, aspettando che questi venissero ricostruiti per sostituire quelli acquistati.

Quei simulacri dovevano essere sempre efficaci alla loro funzione rituale. C’erano simboli delle divinità o degli spiriti della natura, di forma animale oppure antropomorfi, che potevano avere funzioni di protezione dagli spiriti maligni o di propiziazione di quelli benigni, per invocare prosperità, fecondità e fertilità dei raccolti.

Andrea Mordacci è un profondo conoscitore della cultura e dell’arte tribale del popolo Tharu, insediato da molti secoli nella parte meridionale del Terai. Narrano le loro leggende che un re, sconfitto e ucciso in una guerra indiana, causò la fuga della sua regina e del suo popolo, che trovò rifugio nella valle dove i discendenti vivono ora. Quella regina instaurò un regime matriarcale con regole fisse, le quali si sono tramandate sino ad alcuni decenni orsono. Un retaggio di quei secoli passati è rimasto nell’usanza da parte delle donne di avvicinare il cibo ai mariti con il piede.

Le donne curano la cucina e la casa ed hanno anche altre prerogative, alcune delle quali si manifestano nelle feste. Feste religiose, delle stagioni e dei raccolti. Molte delle usanze tribali dei Tharu sono scomparse da almeno un decennio a causa del vincente induismo, in parte del buddismo ma anche delle sette cristiane protestanti, spalleggiate dai maoisti.

Il Nepal confina a nord con la Cina, lungo la Regione Autonoma del Tibet. Gli unici studiosi in Europa sono Andrea Mordacci e una studiosa austriaca ottantenne naturalizzata francese, che studiò i Tharu prima di Mordacci. Entrambi fanno parte del Comité Artistique et Technique dell’ARCH – Association pour le Rayonnement des Cultures Himalayennes, con sede a Parigi.

Il nostro concittadino è inoltre Responsabile del Dipartimento di Arte Himalayana della Fondazione Tribale Globale di Savona, membro del Comitato Scientifico di Explorabilis ETS di Milano e collabora a pubblicazioni scientifiche ed artistiche, essendo Perito ed Esperto di Antichità e oggetti d’Arte della Camera di Commercio Riviere di Liguria. Lavora presso il CPIA (Centro Provinciale per l’Istruzione degli Adulti) sotto la direzione del Dirigente Scolastico Andrea Minghi. Mordacci anima pure progetti con il carcere, nella Casa Circondariale di Villa Andreino.

Moderatore dell’evento sarà l’operatore culturale Paolo Luporini e l’ospite illustre sarà il dott. Bruno Gentili dell’Associazione “Italia-Asia” di Milano, realtà impegnata nella promozione della conoscenza delle culture e delle società asiatiche.

Alcune domande ad Andrea Mordacci troveranno maggiori risposte il 13 ottobre, ma ora gli chiediamo:

Cos’è l’animismo? Com’è l’animismo dei Tharu? Quali sono le loro divinità principali e che caratteristiche hanno?

L’animismo è una concezione religiosa secondo la quale la natura, gli animali, i luoghi e gli antenati sono abitati da forze e presenze spirituali con cui l’uomo deve mantenere un rapporto di equilibrio. Presso i Tharu del Nepal, soprattutto nelle comunità del Terai occidentale, la religione tradizionale unisce culto degli antenati, spiriti della natura, divinità locali e pratiche sciamaniche. Al centro della vita rituale vi è il Guruwa, lo sciamano-sacerdote, mediatore tra la comunità e il mondo invisibile.

Tra le figure più significative della tradizione Tharu troviamo Daharcandi, importante divinità femminile legata alla protezione della comunità, alla terra e alla fertilità, e il suo consorte Cabawaguni, figura maschile complementare associata alla forza protettiva e all’ordine cosmico. La loro coppia esprime simbolicamente l’unione delle componenti femminile e maschile della potenza sacra.

Accanto a loro vengono venerati Goraiya, gli antenati e numerose divinità e spiriti locali legati alla foresta, all’acqua, ai campi e ai villaggi. La religiosità Tharu non costituisce quindi un pantheon rigidamente definito: è un sistema dinamico nel quale divinità, antenati, spiriti e natura formano un unico universo sacro, successivamente entrato in rapporto anche con l’induismo.

Le due divinità principali dividono il mondo dei Tharu in femminile e maschile. Come discende questa divisione di genere nella loro società?

Sì, ma con una precisazione: Daharcandi e Cabawaguni non vanno intesi semplicemente come una coppia che “divide” la società in uomini e donne. Nella cosmologia Tharu la loro complementarità può essere letta come un modello simbolico più ampio, nel quale il principio femminile e quello maschile concorrono alla creazione, alla protezione e all’ordine del mondo.

Questa complementarità si riflette nella società tradizionale Tharu attraverso una distinzione dei ruoli: agli uomini sono storicamente affidate soprattutto attività agricole, di caccia, di difesa e alcune funzioni pubbliche e rituali; alle donne la gestione della casa, la cura della famiglia, alcune pratiche rituali e importanti attività agricole e produttive. Non si tratta però di una separazione assoluta: uomini e donne collaborano e condividono numerose attività, e le forme concrete cambiano molto tra le diverse comunità Tharu.

Il punto interessante è quindi che la cosmologia non rappresenta soltanto una gerarchia, ma soprattutto un’idea di complementarità necessaria: come Daharcandi e Cabawaguni rappresentano due potenze diverse ma interdipendenti, così la società tradizionale concepisce il femminile e il maschile come componenti entrambe indispensabili alla continuità della famiglia, della comunità e del rapporto con la terra.

Quali sono le prerogative femminili e quelle maschili? Quali le prerogative artistiche femminili?

Nella società tradizionale Tharu la distinzione tra femminile e maschile riguarda soprattutto le attività domestiche, produttive, rituali e artistiche. Va comunque ricordato che le pratiche cambiano tra i diversi gruppi Tharu e non costituiscono regole rigide.

Prerogative femminili: gestione della casa, preparazione degli alimenti, cura dei figli, raccolta e lavorazione di prodotti agricoli, tessitura e decorazione degli spazi domestici. Le donne hanno inoltre un ruolo importante nei rituali familiari e nelle pratiche legate alla fertilità, alla protezione della casa e agli antenati.

Prerogative maschili: agricoltura pesante e lavori forestali, caccia e pesca in alcune comunità, costruzione e manutenzione della casa e, tradizionalmente, alcune funzioni pubbliche e rituali affidate al Guruwa.

È soprattutto nella decorazione della casa che emerge in modo straordinario la creatività femminile. Le donne realizzano decorazioni parietali e rilievi in argilla e fango, motivi geometrici e floreali, figure animali e rappresentazioni simboliche. Particolarmente importanti sono le decorazioni delle pareti, delle porte e degli spazi sacri domestici.

A questa produzione si aggiungono pittura, ornamentazione, ricamo, tessitura e decorazione degli oggetti d’uso. Non si tratta semplicemente di ornamento: la decorazione della casa può avere una funzione protettiva, propiziatoria e identitaria. Un aspetto molto interessante è che questa produzione femminile costituisce una sorta di “arte della casa”, nella quale il confine tra arte, religione e vita quotidiana praticamente scompare.

La donna diventa così custode e trasmettitrice di un patrimonio visivo e simbolico che passa soprattutto attraverso la tradizione orale e l’apprendimento intergenerazionale. In questo senso, se l’arte maschile Tharu è storicamente più associata alla scultura lignea, agli oggetti rituali e alla costruzione, quella femminile trova una delle sue espressioni più caratteristiche nella trasformazione dello spazio domestico in spazio estetico e sacro.

Come è vista, creata e pensata l’arte tribale per i Tharu?

Per i Tharu, l’arte tradizionale non è pensata principalmente come “arte” nel senso occidentale del termine. Non nasce cioè per essere contemplata autonomamente, esposta o firmata dall’artista. È piuttosto una parte della vita sociale, religiosa e quotidiana.

L’oggetto, l’immagine o la decorazione hanno spesso una funzione: proteggere, propiziare, ricordare gli antenati, comunicare con le divinità, segnare un passaggio rituale o rendere sacro uno spazio. Per questo motivo è importante distinguere tra forma e funzione. Una scultura, una decorazione murale o un oggetto rituale possono avere un grande valore estetico, ma il loro significato originario dipende soprattutto dal rapporto con la comunità e con il mondo soprannaturale.

Anche la creazione è generalmente legata alla tradizione: non conta tanto l’originalità individuale dell’autore quanto la capacità di riprodurre correttamente forme, simboli e conoscenze trasmesse attraverso le generazioni. Questo è particolarmente evidente nell’arte femminile, nelle decorazioni delle abitazioni e nella produzione rituale.

In questo senso, per i Tharu l’arte non è separata dalla vita: è contemporaneamente estetica, memoria, religione, identità e relazione con il territorio. Un’immagine può essere bella, ma soprattutto deve essere efficace: deve svolgere la funzione per la quale è stata creata.

È proprio questo aspetto che rende l’arte Tharu particolarmente interessante: non è semplicemente rappresentazione del mondo spirituale, ma uno degli strumenti attraverso cui quel mondo viene reso presente nella vita quotidiana.

Che analogie e che differenze ci sono, per quanto riguarda il pensiero sull’arte, con le altre culture asiatiche e poi con noi occidentali?

La differenza fondamentale è che il concetto occidentale moderno di “arte” non coincide necessariamente con quello delle società tradizionali asiatiche, compresa quella Tharu. Ci sono importanti analogie. In molte tradizioni dell’Asia — dall’Himalaya al Sud-est asiatico — l’oggetto rituale non è soltanto una rappresentazione, ma può essere considerato un tramite con il mondo spirituale.

L’immagine di una divinità, una maschera, una scultura o un oggetto rituale acquistano significato attraverso il loro uso, il rituale e il rapporto con la comunità. Anche nei Tharu, quindi, troviamo un’idea dell’arte vicina, per certi aspetti, a quella presente in molte culture buddhiste, hindu e animiste asiatiche: l’oggetto è efficace perché partecipa a un sistema religioso e cosmologico.

La differenza è che le tradizioni asiatiche sono estremamente diverse. Per esempio, l’immagine buddhista o hindu segue spesso canoni iconografici molto codificati, mentre nell’arte Tharu la produzione locale può essere maggiormente legata alla tradizione comunitaria, al territorio, agli antenati e agli spiriti.

Con l’Occidente la distanza è maggiore. Nella concezione occidentale moderna siamo abituati a pensare all’opera come a un oggetto autonomo, prodotto da un artista individuale, con un valore estetico e culturale proprio. Il museo separa l’opera dal suo contesto originario e la trasforma in qualcosa da osservare e conservare.

Per un oggetto rituale Tharu questa separazione può essere problematica. Una scultura non è necessariamente “un’opera” indipendente dal suo contesto: è parte di un rapporto tra uomini, antenati, divinità, territorio e rituale.

Un’altra grande differenza riguarda l’autore. L’Occidente moderno tende a valorizzare originalità, stile personale e firma dell’artista. Nelle culture tradizionali, compresa quella Tharu, è spesso più importante la conoscenza della tradizione e la corretta trasmissione delle forme e dei significati.

Non dobbiamo però creare una contrapposizione assoluta tra “noi” e “loro”. Anche l’arte occidentale ha avuto per secoli una forte funzione religiosa: le icone bizantine, le sculture medievali, le pale d’altare o le immagini dei santi non erano concepite semplicemente come oggetti estetici.

La grande trasformazione occidentale avviene soprattutto con la modernità, quando si afferma progressivamente l’idea dell’arte per l’arte, dell’artista come individuo creativo e dell’opera come oggetto autonomo.

Per questo, forse, la domanda più interessante non è «I Tharu hanno l’arte?», ma:

«Che cosa consideriamo arte quando usciamo dalla nostra idea occidentale di opera d’arte?»

Ed è proprio qui che l’arte Tharu diventa particolarmente interessante: non separa nettamente estetica, religione, vita quotidiana, memoria e identità. Quello che noi possiamo esporre in un museo come “arte tribale”, per chi lo ha prodotto poteva essere prima di tutto un oggetto vivo, necessario e inserito in una relazione con il mondo invisibile.

Posto che la cultura Tharu stia scomparendo, nonostante i tentativi governativi nepalesi di conservarla, cosa ci potrebbe insegnare e come potremmo combatterne il declino? Il turismo occidentale è positivo o negativo?

Credo che la cultura Tharu possa insegnarci soprattutto una cosa: che una cultura non è soltanto un insieme di oggetti da conservare, ma un modo di interpretare il rapporto tra uomo, territorio, comunità e mondo spirituale.

Il rischio, infatti, non è soltanto che scompaiano alcune maschere, sculture, tecniche decorative o forme architettoniche. Il rischio maggiore è la perdita delle conoscenze che danno significato a quegli oggetti: la lingua, i rituali, i racconti degli anziani, il sapere del Guruwa, le tecniche agricole, la conoscenza della foresta e le tradizioni artistiche femminili.

Oggi il Nepal e l’UNESCO stanno proprio cercando di spostare la conservazione verso un modello partecipativo, nel quale siano le comunità stesse — e soprattutto i giovani — a documentare e trasmettere il proprio patrimonio.

Come si potrebbe contrastare il declino? A mio avviso, non cercando di “congelare” i Tharu nel passato, ma permettendo loro di continuare a essere Tharu nel mondo contemporaneo. Servirebbero soprattutto:

• insegnamento della lingua Tharu alle nuove generazioni;
• registrazione di racconti, miti, canti, rituali e conoscenze degli anziani;
• trasmissione pratica delle tecniche artigianali;
• sostegno economico agli artigiani, soprattutto alle donne;
• musei e archivi gestiti insieme alle comunità;
• maggiore presenza della cultura Tharu nella scuola;
• valorizzazione dell’architettura tradizionale e dei villaggi;
• ricerca antropologica condotta con il coinvolgimento e il consenso delle comunità.

Un esempio molto significativo è quello delle donne che tessono i cesti di moonj e kans, materiali che sono il cuore di un’antichissima tradizione artigianale svolta prevalentemente da comunità di donne. I filamenti di moonj vengono intrecciati e avvolti strettamente – coiling – intorno a un’altra erba locale più rigida, chiamata Kaasa, per dare struttura agli oggetti: UNESCO documenta come il problema non sia soltanto la perdita di interesse dei giovani, ma anche la diminuzione delle materie prime, l’urbanizzazione e la concorrenza dei prodotti industriali. Alcune artigiane stanno quindi coltivando direttamente la materia prima e insegnando la tecnica alle figlie e alle nuore.

Per il turismo occidentale non direi semplicemente positivo o negativo. Può essere entrambe le cose.

Il turismo diventa negativo quando trasforma la cultura in uno spettacolo per il visitatore: il rito diventa rappresentazione, l’oggetto sacro diventa souvenir, la tradizione viene semplificata per soddisfare le aspettative occidentali. In quel caso il rischio è la folklorizzazione: la cultura sopravvive apparentemente, ma perde progressivamente il proprio significato.

Può invece essere molto positivo quando il denaro e l’interesse dei visitatori rimangono nella comunità e servono a mantenere vive le pratiche. Il governo nepalese sta già utilizzando il modello degli homestay Tharu, associandolo alla conservazione di danze, musica, artigianato e patrimonio culturale.

E c’è un dato interessante: il Tharu Cultural Museum di Dang è nato proprio come iniziativa di conservazione della comunità e oggi funziona come archivio, spazio educativo e luogo di incontro con i visitatori. Nel 2025/26 ha registrato oltre 118.000 visitatori, mostrando che il turismo può effettivamente creare risorse economiche intorno alla conservazione.

Il turismo dovrebbe essere uno strumento della conservazione e non il suo padrone. Non dovremmo chiedere ai Tharu:

«Come possiamo rendere la vostra cultura interessante per noi occidentali?»

ma piuttosto:

«Come possiamo fare in modo che voi possiate continuare a trasmettere la vostra cultura alle vostre generazioni?»

Se il turismo aiuta una giovane donna Tharu a guadagnare tessendo, se permette a un anziano di trasmettere i propri racconti, se finanzia una scuola in lingua Tharu, se sostiene un museo locale o consente a un Guruwa di insegnare a un giovane, allora può diventare uno strumento di sopravvivenza culturale.

E qui vedo anche una responsabilità per il collezionista e per il ricercatore occidentale: non limitarsi a raccogliere oggetti, ma raccogliere e restituire conoscenza. Documentare provenienza, significato, uso rituale, nome locale, testimonianze degli anziani e contesto dell’oggetto può contribuire a evitare che una scultura o una maschera sopravviva mentre scompare completamente la memoria di ciò che rappresentava.

In definitiva, non dobbiamo salvare la cultura Tharu al posto dei Tharu: dobbiamo creare le condizioni perché siano i Tharu a poterla mantenere viva.

Ora, se ne hai piacere, raccontaci qualche aneddoto dei tuoi viaggi, degli sciamani incontrati, delle pietanze o di qualche loro leggenda o usanza tribale con significato sociale…

Ci sono alcuni episodi che, più di altri, mi hanno permesso di comprendere la cultura Tharu non soltanto attraverso lo studio, ma attraverso l’esperienza diretta.

Ricordo, per esempio, una febbre che mi accompagnò per diversi giorni. In quella situazione ebbi modo di rivolgermi a un Guruwa, lo sciamano-sacerdote della comunità. Il suo modo di affrontare la malattia era completamente diverso dalla nostra concezione occidentale: attraverso preghiere, formule e rituali cercava di comprendere quale fosse l’origine del male e di ristabilire l’equilibrio tra la persona e il mondo spirituale. Quell’esperienza mi fece capire concretamente quanto, per i Tharu, la malattia non appartenga necessariamente soltanto alla dimensione fisica.

Un altro ricordo è molto più drammatico. In un villaggio si verificò la morte di un contadino che, dopo essere scomparso, venne ritrovato con ferite che facevano pensare a un attacco di un grande felino, probabilmente una tigre. Non fu possibile stabilirlo con assoluta certezza, ma nella comunità questa era l’interpretazione prevalente.

Quello che mi colpì non fu soltanto la tragedia, ma il modo in cui quell’episodio veniva percepito. La foresta, per i Tharu, non è semplicemente un luogo naturale separato dall’uomo: è uno spazio abitato, nel quale l’uomo deve confrontarsi con animali, forze e presenze che fanno parte dello stesso universo.

Sono due esperienze molto diverse, ma entrambe mi hanno insegnato qualcosa di fondamentale: per comprendere davvero i Tharu bisogna cercare di sospendere, almeno per un momento, le nostre categorie occidentali. La malattia, la morte, la foresta, gli animali e il mondo degli spiriti non sono compartimenti separati, ma elementi di una realtà profondamente interconnessa.

By Paolo Luporini

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