Dal mare dipinto da Lorenzo Ludi nasce un’opera corale che coinvolge tredici artisti, uno per ogni borgata. La nuova copertina di The Spezziner celebra il 101° Palio del Golfo attraverso colori, simboli e identità della tradizione remiera spezzina.Dall’originale universo espressivo di Lorenzo Ludi nasce un’opera corale che coinvolge tredici artisti, uno per ogni borgata, trasformando la nuova cover di The Spezziner in un omaggio al Palio del Golfo e all’identità della Spezia.

È dall’originale universo espressivo di Lorenzo Ludi che prende forma la nuova copertina di The Spezziner dedicata al 101° Palio del Golfo. Le sue onde, trasformate in un mare vivo, profondo e in continuo movimento, diventano il palcoscenico sul quale tredici artisti interpretano le tredici borgate della storica sfida remiera spezzina, dando vita a un’opera corale che celebra l’identità, i colori e il senso di appartenenza che da oltre un secolo accompagnano la manifestazione simbolo dell’estate spezzina.

L’idea nasce dal presidente di The Spezziner, Mauro Baraldi: le tredici lettere che compongono la scritta “PALIO DEL GOLFO” corrispondono infatti al numero delle borgate che animano il Palio, che sono proprio tredici. Da qui la scelta di affidare ogni lettera a un artista diverso, chiamato a reinterpretarla utilizzando i colori sociali, i simboli e l’anima della borgata rappresentata. Il risultato è una copertina speciale nella quale sensibilità differenti si fondono in un’unica narrazione visiva.

Un mare che unisce

Il protagonista della composizione è proprio il mare dipinto da Lorenzo Ludi. Non è un semplice sfondo. È il Golfo della Spezia, elemento che accomuna tutte le borgate e che, da sempre, rappresenta il teatro naturale del Palio. Le onde create dall’artista diventano il respiro stesso dell’opera, lo spazio ideale nel quale prendono vita le tredici lettere realizzate dagli altri autori. 

Un mare che non separa, ma unisce. Così come il Palio è competizione in acqua e, allo stesso tempo, patrimonio condiviso di tutta la città.

Dal Centenario al 101° Palio, un percorso che continua

La copertina dedicata al 101° Palio del Golfo rappresenta l’evoluzione naturale del percorso che The Spezziner ha intrapreso nel tempo e in particolare lo scorso anno in occasione del Centenario della storica manifestazione remiera. Nel 2025 il collettivo creativo affiancò i festeggiamenti con un articolato programma culturale che comprendeva la mostra “Aspettando il Palio del Golfo”, capace di riunire trenta artisti attorno ai temi del Palio e dell’Amerigo Vespucci, oltre a presentazioni di libri, laboratori per bambini, esposizioni e iniziative dedicate alla valorizzazione della cultura marinara e dell’identità spezzina.

L’edizione 2026 raccoglie idealmente quel testimone. Se il Centenario celebrava i primi cento anni della manifestazione, questa nuova copertina guarda già al futuro, inaugurando simbolicamente il secondo secolo di vita del Palio attraverso il linguaggio dell’arte contemporanea e una straordinaria coralità creativa.

Un’opera collettiva che racconta il Palio

Per il direttore artistico Paolo Cozzani, la nuova cover rappresenta un nuovo capitolo del percorso intrapreso da The Spezziner dopo il successo del Centenario.

«The Spezziner ha lanciato un’idea a tutti gli artisti di ispirarsi alle tredici borgate marinare per realizzare una copertina commemorativa che accompagnerà per tutta l’estate.»

L’intuizione si trasforma così in una vera opera collettiva.

«Ogni artista, nella propria libera fantasia creativa e legando l’immagine a ciascuna borgata, ha realizzato una lettera che va a comporre la copertina, il cui sfondo con le onde del mare è stato dipinto da Lorenzo Ludi. Ciascuna lettera esprime il carattere della borgata, le sue tradizioni, i suoi simboli e il legame che unisce gli abitanti al proprio territorio.»

Il risultato, sottolinea ancora Cozzani, è quello di un’opera capace di andare oltre la semplice rappresentazione della gara remiera.

«Una narrazione polifonica, un poster dinamico, colorato e profondamente identitario, capace di raccontare il Palio del Golfo non solo come evento sportivo, ma come una gigantesca e pulsante opera d’arte sociale.»

Tredici lettere, 14 artisti, un’unica anima

Il mare del golfo | Lorenzo Ludi

E’ il movimento, il colore, il gioco di luci, gli azzurri cangianti che in modo armonico e naturale accolgono le tredici lettere formando un tutt’uno inscindibile che gioiosamente stringe le tredici borgate in un abbraccio pirotecnico.

 

 

 

Da ponente a levante, seguendo l’ordine geografico delle borgate, ogni lettera diventa un piccolo racconto d’autore.

P – Portovenere | Alba Rifaat

La “P” scarlatta custodisce la silhouette della chiesa di San Pietro, il mare e il numero uno, memoria della prima storica vittoria della borgata. Un’opera che parla di orgoglio, appartenenza e tradizione. 

 

 

A – Le Grazie | Tiziano Illiano

 Un drappo rosso avvolge la lettera “A”, simbolo della passione che lega l’artista alla borgata delle Grazie.

 

 

L – Fezzano | Federica Tosti

La prua dell’Alma, accompagnata dagli squali verdi, racconta la forza e la storia della borgata fezzanese.

 

 

I – Cadimare | Gloria Giuliano

 Una composizione essenziale ispirata al movimento delle imbarcazioni, impreziosita dal leone di Cadimare e dai colori dell’Armo.

 

 

 

O – Marola | Ginevra Bruno

Una “O” che trae ispirazione direttamente dallo stemma storico della borgata.

 

 

 

D – La Spezia Centro | Mauro Manco

 Il faro della “Via Sicura”, il blu materico del Golfo e il numero cinque raccontano l’identità della borgata cittadina.

 

 

E – Canaletto | Mauro Baraldi

 Un omaggio ai “canarini”, ai muscolai e alla storia di uno dei quartieri più rappresentativi del Palio.

 

 

L – Fossamastra | Cristina Ferrarini

 Un puzzle di colori che ricorda come ogni borgata mantenga la propria identità contribuendo, insieme alle altre, all’anima del Golfo.

 

 

G – Muggiano | Samuele Di Capua

Il cavalluccio marino, il porticciolo e il numero otto diventano gli elementi distintivi della composizione.

 

 

O – San Terenzo | Giovanni Medusei

 Bianco, verde e il castello sul mare sintetizzano l’identità della borgata lericina.

 

 

L – Venere Azzurra | Gaetano Amato

La Venere Azzurra viene reinterpretata come la borgata dei surfisti, in una lettura originale e contemporanea.

 

 

F – Lerici | Nicol Squillaci

 Rosso e verde si rincorrono come remi in movimento, celebrando il cuore della borgata lericina.

 

 

O – Tellaro | Carlo Bacci

“Io sono il mio posto”: una frase essenziale che racchiude il profondo legame con Tellaro.

 

Più di una copertina

Con questa edizione speciale The Spezziner prosegue il percorso iniziato negli anni scorsi nel raccontare la Spezia attraverso l’arte, confermando il Palio del Golfo come uno dei temi più rappresentativi della propria ricerca creativa. Più che una copertina, quella dedicata al 101° Palio è un manifesto della città.

Quattordici artisti, tredici borgate, un solo mare.

È in questa sintesi che il Palio del Golfo trova una nuova rappresentazione: non soltanto una gara remiera, ma un patrimonio collettivo che continua a rinnovarsi attraverso l’arte, senza perdere il legame con la propria storia.

The Spezziner

è la rivista immaginaria che non esiste. Il progetto, ideato da Mauro Baraldi e sviluppato con l’Associazione Culturale Studio18 della Spezia con il supporto e la collaborazione di un collettivo di artisti, intende evidenziare e valorizzare con le illustrazioni delle proprie copertine gli aspetti che contraddistinguono, in modo inequivocabile, usi e costumi della città, luoghi, eventi, antiche leggende,  abitudini cittadine, monumenti, l’introspezione e la socialità di persone e di personaggi iconici che con la loro storia, l’immaginazione e l’innata spezzinità, hanno fatto conoscere a livello nazionale e internazionale la provincia. Il progetto The Spezziner beneficia del Patrocinio del Comune dellaSpezia e dell’Assessorato alla Cultura e al Turismo. Oltre a una movimentata presenza sul web e spesso su SpeziaMirror, dal 2023 suo primo anno di vita ha già partecipato a numerose iniziative in collaborazione con artisti, associazioni del territorio e istituzioni.

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Il 16 e 17 maggio a Sarzana due giornate dedicate ai giovani, al Servizio Civile Universale e all’arte di Andrea Benedetto, con la presentazione della monografia “Rinascita” curata da Alessandra Del Monte.

Sarzana – Due giornate dedicate ai giovani, alla cultura e alla valorizzazione del territorio. Sabato 16 e domenica 17 maggio la Sala Consiliare di Palazzo Civico ospiterà l’iniziativa promossa dal Movimento Cristiano Lavoratori insieme all’artista spezzino Andrea Benedetto, in un percorso che unirà il tema del Servizio Civile Universale* alla riflessione artistica e culturale.

L’evento nasce con l’obiettivo di accendere i riflettori sul valore del Servizio Civile come esperienza concreta di formazione, partecipazione attiva e crescita personale per le nuove generazioni. Da tempo il Movimento Cristiano Lavoratori porta avanti progetti rivolti ai giovani, puntando su iniziative legate alla cultura, alla ricerca storica e alla tutela dell’identità territoriale, offrendo occasioni di sviluppo umano e professionale.

A rendere ancora più significativo l’appuntamento sarà la presenza di Andrea Benedetto, pittore e scultore conosciuto per una produzione artistica che intreccia spiritualità, memoria collettiva e recupero dei materiali. Le sue opere, realizzate anche attraverso elementi di riciclo, trasformano oggetti semplici in strumenti di riflessione, creando un dialogo continuo tra passato e futuro.

Particolare attenzione sarà dedicata alla presentazione della monografia “Rinascita”, pubblicata dalla casa editrice L’aquilone e curata dall’editrice Alessandra Del Monte, il cui intervento rappresenterà uno dei momenti centrali delle due giornate. Del Monte illustrerà infatti il percorso editoriale che ha portato alla nascita del volume, un’opera che racconta il cammino artistico e umano di Benedetto attraverso “ritagli di memorie e intrecci di vissuto”.

La pubblicazione raccoglie immagini e testimonianze del lavoro dell’artista, arricchite dalle opere plastiche realizzate con quello che il professor Carlo Lupi definì “materiale sordo”: elementi apparentemente privi di voce che, nelle mani di Benedetto, acquistano forza comunicativa e nuova identità. Proprio questo aspetto sarà al centro dell’intervento della Del Monte, che evidenzierà il valore culturale e simbolico dell’opera editoriale come strumento di memoria e rinascita.

Nel corso degli incontri Andrea Benedetto presenterà inoltre il suo ultimo lavoro, “Pagine di diario”, concepito come un messaggio di speranza e solidarietà in una società chiamata a ritrovare il senso della comunità e dell’ascolto reciproco.

Le due giornate si preannunciano così come un momento di confronto tra arte, impegno civile e partecipazione sociale, con uno sguardo rivolto soprattutto ai giovani e al futuro del territorio spezzino.

• Il Servizio Civile Universale (SCU) è un’opportunità volontaria e retribuita, della durata di circa 12 mesi, rivolta ai giovani tra i 18 e i 28 anni (estesa a 29 in alcuni casi) per dedicarsi alla difesa non armata della Patria, alla promozione dei valori fondativi della Repubblica italiana, all’educazione e alla pace.                                                                                                                Chi può partecipare: Giovani italiani o stranieri regolarmente soggiornanti in Italia, di età compresa tra 18 e 28 anni.          Cosa si fa: Si svolge un anno di volontariato in enti non profit, istituzioni pubbliche (comuni, musei) in settori come assistenza, protezione civile, ambiente, cultura ed educazione.                                                                                                              Compensi: Prevede un rimborso spese mensile (circa €507,30 netti nel 2024) e prevede una formazione specifica.Finalità: Promuovere la solidarietà, la cittadinanza attiva e offrire una crescita formativa e professionale.

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A Lerici in Piazza Garibaldi la “Goccia” di Yoshin Ogata, scultore giapponese legato al territorio, in mostra temporanea nella fontana di Paiazza Garibaldi.

YOSHIN OGATA: “LA GOCCIA” 
Scultura in marmo in piazza Garibaldi a Lerici
L’opera “La Goccia” dello scultore giapponese Yoshin Ogata è esposta temporaneamente all’interno della fontana di Piazza Garibaldi a Lerici per circa quattro mesi a partire da aprile, riportando nel cuore del borgo una delle creazioni più rappresentative dell’artista.

IL PERCORSO ARTISTICO

L’acqua è la sostanza da cui traggono origine tutte le cose; la sua scorrevolezza spiega anche i mutamenti delle cose stesse (Talete di Mileto 625-547 a.C.). Questa affermazione universalmente nota racchiude il fondamento dei principi filosofici che hanno ispirato la poetica di Yoshin Ogata.

Nato a Miyakonojō nel 1948, dopo un percorso di crescita artistica e culturale attraversando numerosi paesi nel mondo, si forma all’Accademia delle Belle Arti di Brera e si stabilisce nel nostro territorio trovando un forte legame con il paesaggio e il mare. La connessione e il rapporto fisico con il mare è fonte di ricerca, e l’opera di Ogata innerva i valori estetico-culturali nell’espressione della materia che derivata dall’elemento abiotico dell’acqua si sostanzia nella forma diventando solida e richiamando l’origine di tutto.

SIGNIFICATO E SIMBOLOGIA DELL’OPERA

Questo concetto è racchiuso nella poetica di Ogata; è lo stesso artista a definire il sublimarsi del rapporto tra acqua e vita nelle sue opere d’arte: “la goccia d’acqua simboleggia le origini della vita. Essa diventa un flusso d’acqua che forma onde e che sgorga fuori dalle composizioni geometriche circostanti. Le superfici delle mie opere sono sempre squarciate e ferite, diventano opache a causa di segni indecifrabili e della scrittura.”

L’imponente scultura in marmo di Carrara, già esposta in occasione della mostra nel 2016, è stata collocata nella fontana di Piazza Garibaldi come installazione temporanea, a prova del legame profondo tra l’artista e le zone dove da molti anni vive e lavora. Rappresenta lo scorrere dell’acqua che dal cerchio verticale della goccia scende sulla base e fluisce in un onda rivolta verso il mare. L’opera invita alla riflessione sullo scorrere della vita e le sue origini. L’acqua che erode e muta la natura, l’acqua generatrice della vita e di ogni organismo vivente. L’artista restituisce fisionomia alla materia grezza, è capace di scolpire l’acqua e renderla solida, immanente, fenomenica. E’ espressione di bellezza, proporzione, equilibrio, essenzialità. Il flusso dell’acqua simboleggia il ciclo vitale dell’uomo e della natura.

Per saperne di più su Yoshin Ogata leggi qui

In copertina: Paesaggio-Mentale-di-Yoshin-Ogata-lerici Galleria Primacina

By Paolo Cozzani

Paolo Cozzani : laureato in Conservazione dei Beni Culturali, appassionato d’arte contemporanea, collezionista, scrive su CulturaIdentità dell’editore Sylos Labini, sul sito web del Comites Washington DC e sulla pagina personale di fb articoli su eventi e mostre.

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CAMeC, terzo atto: il Romanticismo rivisitato tra passato e presente

Dopo il confronto tra Giorgio Morandi e Lucio Fontana, e dopo la parentesi dedicata alla fotografia con la Collezione Sozzani, il CAMeC della Spezia inaugura oggi una terza tappa del suo percorso espositivo.
Dall’11 aprile al 13 settembre 2026 apre infatti Ripensando il Romanticismo nell’arte contemporanea, mostra curata da Elena Volpato, chiamata a confrontarsi con un tema ambizioso: l’eredità del Romanticismo nella sensibilità artistica contemporanea.

Il progetto prende le mosse da tre figure cardine della pittura ottocentesca – Caspar David Friedrich, John Constable e J. M. W. Turner – per indagarne le tracce nelle opere di sette artisti contemporanei: Giovanni Anselmo, Massimo Bartolini, Ian Kiaer, David Schutter, Linda Fregni Nagler, Pesce Khete e Michele Tocca.

Un percorso in tre direzioni

L’allestimento si articola lungo tre direttrici, che riprendono altrettante “anime” del Romanticismo.
Da un lato la dimensione più ermetica e metafisica, legata a Friedrich, dove opere come quelle di Anselmo, Bartolini o Kiaer riflettono sul rapporto tra individuo e cosmo.
Dall’altro il naturalismo di Constable, riletto attraverso la pittura di Michele Tocca e le riflessioni di David Schutter, che arrivano a interrogare anche il contesto storico e culturale del paesaggio.
Infine la componente più visionaria e atmosferica di Turner, che trova una corrispondenza nei lavori di Pesce Khete, dove il paesaggio si trasforma in spazio mentale.

Come sottolinea la curatrice Elena Volpato:

“Il Romanticismo ci invita a recuperare consapevolezza del nostro modo di stare al mondo, a tornare a un’intensità espressiva capace di andare oltre la superficie delle cose.”

Continuità e nuove ambizioni

La mostra si inserisce in una linea programmatica ormai evidente.
Dopo il successo di Morandi e Fontana, che aveva segnato un passaggio importante per il posizionamento del museo, e dopo l’apertura alla fotografia con la Collezione Sozzani, il CAMeC prosegue nella costruzione di un’offerta articolata, capace di alternare maestri storici e ricerca contemporanea.

“Questa mostra rappresenta un nuovo e significativo tassello per il CAMeC” – ha dichiarato il sindaco Pierluigi Peracchini – “confermando il ruolo del museo nella produzione e diffusione dell’arte contemporanea e nel dialogo tra epoche e linguaggi.”

Sulla stessa linea anche il Presidente della Fondazione Carispezia Andrea Corradino, che ha ribadito il valore del museo come spazio “aperto alla comunità e alla ricerca, capace di attrarre pubblico e artisti anche a livello internazionale”.

Il presidente del Comitato di gestione, Giacomo Bei, ha inoltre evidenziato il ruolo della curatrice, oggi entrata anche nel comitato scientifico del museo, come segnale di continuità e rafforzamento delle scelte culturali.

Il Romanticismo e La Spezia

Riportare il romanticismo alla Spezia non può che rievocare tutti quegli artisti del nord europa che passarono di qui, certamente non solo Shelley e Byron ed è anche questo uno dei motivi per cui questa mostra insiste in un luogo iconico e ideale, scrive infatti Elena Volpato: “…Un Golfo, un piccolo arco di terra sottile come un teatro greco aperto sulla rappresentazione del mondo e dei suoi fantasmi, ha accolto i poeti romantici dando loro un punto d’origine all’aprirsi dello sguardo e al volo della mente. Cercavano uno scoglio da cui tendere all’illimite, tentando la linea inafferrabile che congiunge e separa l’abisso del cielo e quello del mare.  La Spezia fu per loro una dimensione geografica e metafisica, un luogo capace di essere soglia e iniziazione: intervallum tra dimensioni opposte, come necessario che siano i percorsi che conducono a trascendere il reale, a cogliere in filigrana il respiro dell’invisibile.  Lì avveniva il connubio tra aria e acqua con il loro trascolorare di azzurri in continua osmosi di chiarore e oscuramento, con il loro addensarsi di nubi, in alto a cumolo, svettanti come torri, o in basso in sterminati manti di foschia. Lì c’era la vicinanza tra la asprezza dei monti e la distesa del mare e l’incontro tra due diverse culture, due diverse tradizioni: quella classica fatta di luce e di aperta bellezza e quella nordica, celtica cresciuta tra il fitto dei boschi di pini e all’ombra delle vette. A Spezia convivevano due universi congiunti da ripide sale di pietre e da sentieri a tracciato spezzato improvvisamente aperti su aeree terrazze belvedere. Coloro che vi arrivavano da altri paesi come gli artisti e i poeti che compivano il Gran tour, attraversando le Alpi per iniziare una lenta discesa al mare che terminava in quella regione, primo affaccio al paesaggio del Mediterraneo allora tanto ignoto quanto familiare per averlo sognato sulle pagine degli amati autori greci…”

Un esito da mettere a fuoco

Se le premesse teoriche, i riferimenti al luogo e il tema – il rapporto tra uomo, natura e infinito – appaiono solidi e di grande attualità, l’impressione complessiva di quanto esposto richiede forse uno sguardo più attento.

In particolare, nel percorso espositivo non sempre emerge con immediatezza il legame tra le opere contemporanee e i tre filoni dichiarati – Friedrich, Constable e Turner. Almeno a un primo sguardo, le corrispondenze risultano talvolta poco evidenti e chiedono al visitatore un livello di lettura più approfondito per essere pienamente colte. Si fatica a coglierne le connessioni.

Anche questa terza mostra resta comunque un passaggio significativo nel percorso del CAMeC, che continua a sviluppare una propria linea di ricerca nel dialogo tra passato e contemporaneo che forse potrebbe essere colto anche nel lavoro di tanti artisti locali che su questi stessi temi hanno certamente molto da esprimere.

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INFORMAZIONI E CONTATTI

CAMeC – Centro d’Arte Moderna e Contemporanea Piazza Cesare Battisti 1, La Spezia

https://camec.sp.it/  

https://camec.museilaspezia.it/

FB/IG @camec.laspezia

Biglietti:

Collezione permanente
intero 10 euro ridotto 5 euro per giovani under 26 e adulti over 65 sempre gratuito per i residenti della provincia della Spezia

Collezione permanente + mostra temporanea
intero 15 euro ridotto 8 euro per giovani under 26 e adulti over 65 5 euro per i residenti della provincia della Spezia

Ogni prima domenica del mese Ingresso 2 euro per tutti, ferme le gratuità di cui sopra.

Orari:  Da martedì a domenica dalle 10.00 alle 19.00; primo venerdì del mese aperto fino alle 22.00 Chiuso lunedì

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All’Albergo delle Ondine fino al 4 maggio 2026 le opere dell’artista simbolo del borgo tra autobiografia, materia e visione contemporanea

A Tellaro, Carlo Bacci non è solo un artista. È una presenza. È, in qualche modo, parte stessa del borgo. Qui è cresciuto, qui ha vissuto, qui è tornato dopo il suo periodo spagnolo, e qui continua a creare. Come le onde che si infrangono sugli scogli, la sua arte si intreccia con la vita del paese, diventando punto di riferimento tanto per gli abitanti di sempre quanto per chi, arrivato da lontano, ha scelto questo angolo di Liguria come rifugio. Negli ultimi anni, le sue opere hanno raggiunto città come Milano e Roma, segnando una maturità artistica sempre più riconosciuta, ma senza mai recidere il legame profondo con la Piazzetta, Fiascherino,  la Marina e con il Gro.

È in questo contesto che, ieri, all’Albergo delle Ondine nella piazzetta di Tellaro, è stata inaugurata la nuova mostra dedicata a Carlo Bacci, aperta al pubblico fino al 4 maggio 2026. Un’esposizione che racconta un artista in continua evoluzione, capace di rinnovarsi senza perdere coerenza.

A inaugurare la mostra è stato il critico d’arte spezzino Paolo Cozzani, che ha offerto una lettura puntuale e suggestiva del lavoro di Carlo Bacci:

“La mostra di Bacci rivela un nuovo volto dell’artista che nella sperimentazione e ricerca di un nuovo linguaggio ci porta in un mondo legato alla vignettistica. Le opere autobiografiche, titolate con ironia e sarcasmo, segnano il percorso esperienziale e creativo di Bacci e sono coerenti con la sua filosofia che innerva i caratteri estetico-culturali dei territorio dove è nato e che ama profondamente. I personaggi costituiscono ciascuno una narrazione che invita alla lettura e alla riflessione che va oltre il dipinto. 

Dopo la “Forma Golfo dei Poeti” del 2021 in marmo bardiglio collocata nella rotonda di San Terenzo che ha suggellato e premiato l’artista con uno dei suoi simboli più conosciuti, l’uomo-pesce generato da un osmosi tra vita e acqua unendo elementi biotici e abiotici dell’ecosistema, e le opere sulle tribù dell’Italia preromana dei Liguri Apuani, Bacci prosegue un percorso concorde col suo pensiero e la sua visione dell’essere umano.

I soggetti dei dipinti e i lapidari aforismi con i quali vengono raccontati, ci conducono in una dimensione semplice dove Bacci gioca con sè stesso inviando un messaggio a cogliere l’essenza della vita.”

Le opere in mostra confermano questa tensione verso una narrazione intima e insieme universale. Il ciclo dei “Terrestri”, ad esempio, nasce da un gesto quotidiano e quasi ossessivo: annotare volti, espressioni, frammenti di umanità nelle sue inseparabili agendine, per poi trasfigurarli in pittura. È un’umanità osservata da vicino, senza filtri, restituita con ironia e profondità.

Ma per comprendere davvero il percorso di Bacci, è necessario partire dalla sua storia. Nato a Fiascherino, nel cuore del Golfo dei Poeti, ha sempre trovato nel disegno una forma di necessità vitale. Dopo gli anni al liceo artistico di Carrara e le difficoltà giovanili, negli anni ’90 compie una scelta radicale: vivere esclusivamente della propria arte. Parte per il sud della Spagna, ad Almería, con pochi mezzi e molte idee. È lì che si mette alla prova, iniziando a scolpire e a costruire una propria identità artistica.

Il ritorno a Tellaro segna una nuova fase: apre il suo primo studio e avvia una ricerca materica che diventerà centrale nel suo lavoro. Ferro, pietra, legno, materiali abbandonati e recuperati diventano elementi di un linguaggio personale, fatto di assemblaggi e trasformazioni. Nascono così i “Segnatempo”, oggetti sospesi tra scultura e memoria, tra passato e presente.

Tra le sue opere più iconiche spicca la “Forma Golfo dei Poeti”, installata nella rotonda di San Terenzo: una sintesi visiva del territorio, tra verticalità ligure, mare e identità locale. Ma c’è anche un’opera meno ufficiale, e forse per questo ancora più significativa: quella collocata sugli scogli di Tellaro nel 1996, in occasione della nascita del figlio. Installata quasi clandestinamente, ha resistito negli anni alle mareggiate più violente, diventando un simbolo silenzioso di resilienza. Visibile dal mare, è persino utilizzata dai pescatori come punto di riferimento per calare le reti: un segno concreto di come l’arte di Bacci sia entrata nella vita quotidiana.

Un’altra opera che fonde Tellaro con Carlo Bacci è GRO.  E’ il nome di un isolotto raggiungibile con poche bracciate nei pressi della Chiesetta che permette di tuffarsi da una altezza di circa 8 metri. E’ un luogo iconico per chi ha vissuto Tellaro perchè un tuffo, con qualunque tecnica, in quell’acqua profonda e cristallina è stato ed è imprescindibile. Nessun dubbio per Bacci su come realizzare l’opera commssionata, solo nome e cognome di questo luogo: GRO un suono unico comprensibile in qualsiasi lingua.

Come ha scritto Gianni Cavazzin, quello di Bacci è “un viaggio nel mito”, un percorso che attraversa il tempo e i materiali, trasformando oggetti consumati in nuove forme cariche di significato. E proprio questa capacità di dare nuova vita alle cose, di trovare poesia dove altri vedono scarto, è uno degli elementi più distintivi della sua arte.

La mostra alle Ondine ci offre un artista maturo, consapevole, ma ancora capace di mettersi in gioco. Un artista che, pur avendo conquistato spazi espositivi importanti fuori dalla sua comfort zone, continua a trovare a Tellaro la sua matrice più profonda.

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Al Santuario di Sant’Antonio la Pasqua diventa occasione per riscoprire il ciclo pittorico dedicato alle Beatitudini: un’opera intensa che unisce spiritualità francescana e linguaggio contemporaneo.

La Pasqua, cuore pulsante della fede cristiana, torna a essere anche quest’anno un’occasione di incontro, riflessione e comunità presso il Santuario di Sant’Antonio a Gaggiola. Come ricorda nella sua lettera ai fedeli Fra Almiro Modonesi, “il Signore è davvero risorto. Alleluia”, un annuncio che non resta confinato alla liturgia ma si traduce in impegno concreto verso gli altri, in particolare verso i più fragili, secondo l’insegnamento di Papa Leone nella sua esortazione Dilexi te, “…Nel nostro Centro della Carità di S. Antonio a Gaggiola – La Spezia – continua il Frate – cerchiamo ogni giorno di rapportarci con chi è nel bisogno non solo venendo incontro alle loro necessità materiali, ma anche cercando di offrire loro uno spazio e un ambiente di accoglienza e di fraternità dove nessuno possa sentirsi discriminato ma accolto come fratello e sorella nella dignità e nel valore della propria persona.”

È proprio in questo contesto, dove fede e vita quotidiana si intrecciano, che le celebrazioni pasquali del 2026 offrono qualcosa in più: la possibilità di riscoprire un’opera artistica di grande intensità spirituale e culturale, quella dedicata alle Beatitudini evangeliche realizzata dal pittore spezzino Federico Anselmi.

Un artista del territorio, tra fede e ricerca

Nato a Monterosso e vissuto a lungo alla Spezia fino alla morte nel 2024, Anselmi ha lasciato una produzione vasta e profondamente legata al territorio e anche alla spiritualità francescana. Il suo legame con il convento di Gaggiola si traduce in un intervento artistico che oggi costituisce uno degli elementi più significativi del Santuario.

Ai lati del transetto — lo spazio che incrocia la navata principale della chiesa — si sviluppano due cicli distinti ma dialoganti: da una parte il Cantico delle creature, dall’altra le Beatitudini. Due percorsi che, insieme, raccontano la visione francescana del mondo: la lode del creato e la centralità degli ultimi.

A completare questo itinerario artistico, nel refettorio dei frati si trova anche un’Ultima Cena di straordinaria originalità, testimonianza ulteriore della capacità di Anselmi di reinterpretare i grandi temi della tradizione cristiana con linguaggi contemporanei.

Le Beatitudini: un’opera complessa e innovativa

Se il Cantico delle creature fu di più immediata realizzazione, il ciclo delle Beatitudini rappresentò per Anselmi una sfida più profonda. Commissionato da Fra Franco Mirri, padre guardiano emerito, il progetto nasceva dall’esigenza di dare forma visiva a un testo evangelico — il Discorso della Montagna — raramente tradotto in immagini.

L’opera si compone di otto pannelli, frutto di un processo creativo articolato: realizzati con tecnica digitale e successivamente rielaborati a mano con pittura a olio, i lavori rispondono a un intento preciso, quello di utilizzare un linguaggio “giovane” capace di parlare alle nuove generazioni, pur restando radicato nella tradizione francescana.

L’ispirazione suggerita ad Anselmi fu quella di Pier Giorgio Frassati, definito “l’uomo delle otto Beatitudini”, figura che incarna nella vita concreta i valori proclamati dal Vangelo. Per questa opera, Federico Anselmi ha ricevuto il ringraziamento da parte di Papa Francesco.

Un linguaggio essenziale per raccontare l’umano

Le Beatitudini di Anselmi colpiscono per la loro forza espressiva: volti spesso indefiniti, una palette dominata dai neri e dai contrasti, una figurazione essenziale e mai decorativa. Al centro non ci sono scene idealizzate, ma l’umanità ferita: gli oppressi, gli afflitti, i poveri. Eppure, non c’è disperazione. Come sottolineato anche durante l’incontro del 15 marzo scorso al Santuario, la presenza di Dio attraversa le opere sotto forma di luce: una luce avvolgente, discreta ma decisiva, che diventa simbolo di speranza e rigenerazione. A guidare quella serata sono state Clara Vigorito e Suor Antonella Ponte docenti rispettivamente di arte sacra e di Sacre Scritture presso l’ISSR Liguria. Presenti anche il vescovo Luigi Ernesto Palletti, l’assessore Giulio Guerri e numerose figure del mondo culturale e cittadino.

Dalla Pasqua alle Beatitudini: un messaggio attuale

Il contenuto del dépliant illustrativo composto dal critico d’arte Valerio Cremolini chiariscono bene: l’arte sacra non è solo memoria, ma “riflesso del mistero insondabile” e strumento per rendere attuale il messaggio evangelico. In questo senso, le Beatitudini di Anselmi non sono semplici immagini, ma una proposta concreta di vita.

“Beati i poveri, gli afflitti, i miti…”: parole che nel contesto pasquale acquistano una forza particolare. La resurrezione non è solo evento celebrato, ma chiave per leggere il presente, per riconoscere negli ultimi “una questione familiare”, come scrive Papa Leone.

Un invito alla visita e alla riflessione

Partecipare alle celebrazioni pasquali al Santuario di Gaggiola significa dunque non solo vivere un momento liturgico, ma anche lasciarsi interrogare da un’opera che ci parla, al cuore e alla coscienza perchè il Vangelo come è sempre avvenuto nella storia dell’arte anche contemporanea è ancora raccontato attraverso l’arte. 

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Federico Anselmi – Nato a Monterosso al Mare, si diploma all’Accademia d’Arte di Carrara. Intorno agli anni ‘ 80 punta ad una sua autonomia artistica con un’indagine su campiture stratificate. Terreno d’incontro della sua ricerca sull’astrazione sono le vele di imbarcazioni ottocentesche. Sulla tela, preparata con gesso per doratori e colla di coniglio, l’impasto viene steso con le mani fino a raggiungere la sovrapposizione di numerosi strati. La ruvida trama delle vele, trattata con imprimitura a base di grafite e colla di pelli per garantirne l’elasticità, è successivamente dipinta con mestiche pure e olio di noce. La vela e le foglie d’oro e d’argento si coniugano con i colori del mare della sua Liguria, e diventano il binomio che caratterizza il modo di essere dell’autore, che trova nell’arte informale veri e propri momenti di forza. Olone di canapa, intrise di salsedine, di energia e fatica, sfilacciate e forate in più punti, sotto le mani del pittore rinascono a nuova vita restituendoci il sapore del tempo passato e diventando il supporto privilegiato dell’artista per narrare di altri viaggi e di altri mari dell’inconscio. Tra le principali mostre si segnalano: Foire Internationale d’Art Contemporain, Nimes 2000; Mostra Mercato Internazionale d’Arte Contemporanea, Padova 2001; Shariah Art Museum, United Arab Emirates 2001; Premio Internazionale Arte Mondadori 2001; Villa Nobel, Sanremo 2005; Italo Calvino: un viaggiatore alla corte di Kubla Kan, C.A.M.e.C. 2005; le personali: Oratorio San Filippo, Genova 2001; Galleria d’Arte Via. de Coronari, Roma 2002; Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Pisa 2002; Galleria Studio d’Arte La Marina, Pietrasanta 2004; Palazzo della Provincia, La Spezia 2004; Fondazione il Fiore – Bellosguardo, Firenze 2005; Lyceum Club Internazionale, Firenze 2006; Castello di Lerici, 2007; L’Arte Navale nel Golfo della Spezia – Centro Allende – Regione Liguria 2008; Lyceum Club Internazionale in collaborazione con l’Accademia Navale di Livorno, Firenze 2008; Caffè Storico Letterario Giubbe Rosse, Firenze 2008; Museo Navale, La Spezia 2008; Camec, La Spezia 2009; Serigrafia per Camera di Commercio, 2009; Comune di Monterosso, 2009; Katedra Cakavskoga Sabra Grobniscine, Grad Grobnik, Kavle 2010; Sulla Rotta della Memoria, Cantieri Valdettaro, Le Grazie 2010. I Quadri della Camera, opere della Collezione della Camera di Commercio della Spezia, 2011; Castello Malaspina, Massa 2009; Maìna, Festa della Marineria, La Spezia 2009; Castello di Lerici, 2010. Centrale Enel, Sala E. Montale, 2010. Spezia Expo Egocentrica, 2011. Biennale della Solidarietà – Parternariato Culturale La Spezia e Venezia. Arte Expo, Torino – Natale, 2014. Il suo nome viene inserito nel Grande Annuario degli Artisti Italiani e Giapponesi Contemporanei, a cura di Amadei – Inoura – 2002. Newport University, California. Nel 2008 è stato invitato ad esporre i suoi dipinti all’Istituto Italiano di Cultura di Mosca con il Patrocinio del Presidente della Repubblica e nel 2012 alla 13° Biennale di Architettura di Venezia. Sue opere figurano in collezioni pubbliche e private in Italia e all’estero, tra i quali CAMeC – Museo di Arte Moderna e Contemporanea, La Spezia; Ufficio Istruzione dell’ Ambasciata Italiana a Mosca; Biblioteca delle letterature Straniere (Rudomino), Mosca; Deutsches Forschungzentrum fur Kunstliche Intelligenz Gmbh, Saarbruchen (RFT); Inspired Artisans, Milwaukee, WI (USA); General Secretariat for International Missions, Burlington; Art Museum, United Arab Emirates; Collezione Evgenij Evtushenko, Mosca; Collezione Ferruccio Battolini, La Spezia; Collezione Dino Carlesi, Pontedera; Collezione permanente di opere d’Arte della Prefettura della Spezia. Dal 2008 è presente con i suoi lavori al Premio Montale – Fuori di Casa e al Premio LericiPea. Nel 2014 porta a termine il progetto impegnativo di otto tavole a olio e tecnica digitale, ispirate al Cantico delle Creature e altre otto dedicate alle Beatitudine evangeliche, posizionate all’interno del Santuario di S. Antonio da Padova alla Spezia per le quali ha ricevuto il ringraziamento del Santo Padre, Papa Francesco Bergoglio. Tra le mostre recenti si ricordano: Castello S. Giorgio, La Spezia 2014; Artelier – Palazzo Ducale, Genova 2013, 2014 e 2015. MUMA, Musei del Mare e della Navigazione, Genova 2016.

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“Poses”, la nuova mostra di Gloria Giuliano curata da Giovanna Riu. Un omaggio alle donne e un approfondimento sul percorso dell’artista, dal figurativo a Perseveranza.

Venerdì 6 marzo alle ore 18, presso il Sunspace di via Sapri 68 alla Spezia, si inaugura Poses, la nuova mostra della pittrice spezzina Gloria Giuliano, aperta al pubblico fino a venerdì 13 marzo 2026 dalle 15 alle 19. La mostra, inserita nel ciclo di esposioni “MERAVIGLIARTI”, è curata dalla critica d’arte Giovanna Riu e si presenta come un omaggio intenso e partecipato all’universo femminile e alla sua forza vitale e non a caso abbraccia temporalmente la Festa della donna dell’8 Marzo.

Le donne di Poses: energia, complicità, verità

Come sottolinea Giovanna Riu nella sua presentazione, le interpreti della mostra sono le donne, soggetto e oggetto privilegiato dell’arte di Gloria Giuliano. Non icone astratte né simboli ideologici, ma presenze vive, immerse nella quotidianità e nella pienezza dell’esistere: donne che ballano, suonano, amano, pensano. Donne sole, insieme ad altre donne, accanto agli uomini.

È un femminile lontano da ogni retorica o rivendicazione malevola: l’atmosfera che attraversa le opere è di complicità e di festa. Eppure, in filigrana, permane una riflessione sottesa sulla realtà – su ciò che è e su ciò che potrebbe essere. L’artista, infatti, non smette mai di cercare, attraverso il suo “altrove estetico”, altre verità.

Ogni opera è autonoma e significativa, ma insieme alle altre costruisce una narrazione coerente, una storia aperta e godibile. Le linee di forza oblique, i contorni acuti e spezzati, i segni circolari non chiusi imprimono dinamismo alle scene: le immagini sembrano potersi scomporre e ricomporre come in un caleidoscopio, restituendo il senso di una realtà in continuo movimento.

Cinquant’anni di ricerca tra figurazione e sperimentazione

La mostra si inserisce in un percorso artistico che attraversa oltre cinque decenni. Gloria Giuliano, che ha debuttato con la sua prima esposizione nel 1982, è oggi alla sua 34° mostra personale. Figura peculiare del panorama artistico spezzino, ha saputo reinterpretare con originalità la figurazione, dialogando con suggestioni che spaziano dal fumetto al futurismo.

Negli anni della formazione, in una stagione in cui il figurativo tradizionale era quasi obbligato, Giuliano ha progressivamente sviluppato una nuova figurazione influenzata anche dal linguaggio del fumetto, collaborando con testate come Lancio Story. Negli anni Novanta ha esplorato tonalità monocromatiche – blu, bianco, violetto – per poi approdare, nei Duemila, a un’esplosione cromatica più audace e vibrante.

La sperimentazione, per lei, non è mai stata un esercizio formale fine a sé stesso, ma uno strumento per trovare coerenza tra linguaggio e contenuto. Nel tempo ha affinato le proprie abilità nel disegno, nella composizione, nell’uso consapevole del colore, sintetizzando nella ricerca attuale i lasciti di un lungo apprendistato tecnico e umano.

Temi centrali della sua produzione sono il lavoro e la dignità dell’agire umano: pescatori, mitilicoltori spezzini, musicisti, danzatori, figure immerse in uno sforzo o in un gesto creativo. Per Giuliano l’arte è dialogo con la realtà, un ponte tra esperienza individuale e memoria collettiva.

Perseveranza: il mare, la memoria, l’identità

Emblematica, in questo senso, è l’opera Perseveranza, realizzata nel 2025 su un’autentica vela in olona dismessa del veliero scuola Amerigo Vespucci. Un lavoro imponente (2 metri per 2,70), nato da un lungo processo di recupero e trasformazione della materia: lavaggio, sterilizzazione, cuciture, trattamento con caffè per ravvivare la fibra, quindi l’intervento pittorico con acrilico e grafite.

L’opera raffigura tre marinai colti in uno sforzo collettivo. I corpi robusti, delineati da tratti netti e decisi, emergono con forza plastica; le espressioni, pur stilizzate, comunicano concentrazione e tenacia. Una cima originale attraversa fisicamente la tela, intrecciandosi alle mani dipinte: un elemento tridimensionale che fonde arte e realtà, pittura e memoria.

Il titolo richiama il motto del Vespucci – “Non chi comincia ma quel che persevera” – e sintetizza lo spirito dell’opera: un omaggio alla marineria, al lavoro condiviso, alla continuità tra passato e presente. Esposta in numerosi eventi marinari nel Golfo della Spezia e in contesti di rilievo come Yacht & Garden a Genova, Perseveranza ha riscosso grande successo, diventando una sorta di simbolo cittadino.

In essa si ritrovano i tratti distintivi della poetica di Giuliano: l’attenzione al corpo in azione, la tensione dinamica delle linee, la materia che racconta una storia, la volontà di comunicare. “È lì che l’arte incontra la vita”, ha dichiarato l’artista.

Comunicare, insegnare, condividere

Comunicare è, infatti, la grande finalità di Gloria Giuliano, nei diversi ruoli che le competono: artista, insegnante, persona. Da oltre dieci anni anima il progetto “Gloria Ensemble”, luogo di incontro e crescita per allievi – in particolare donne – che desiderano avvicinarsi al disegno e alla pittura figurativa. Il suo obiettivo non è creare epigoni, ma trasmettere amore per l’arte e offrire strumenti tecnici e libertà espressiva.

In questo senso, Poses non è soltanto un’esposizione tematica dedicata al femminile, ma un ulteriore capitolo di un percorso coerente, in cui la riflessione sulla realtà si intreccia alla ricerca formale. Le donne che popolano le tele della mostra sono, al tempo stesso, celebrazione e interrogativo, festa e pensiero, presenza concreta e simbolo di possibilità.

L’appuntamento del 6 marzo al Sunspace rappresenta dunque non solo l’inaugurazione di una nuova mostra, ma un’occasione per approfondire la figura di un’artista spezzina che, da oltre cinquant’anni, continua a sperimentare con rigore e passione, intrecciando memoria, lavoro, mare e umanità in un linguaggio personale e riconoscibile. Ricordiamo che “MERAVIGLIARTI” è un format espositivo artistico nato dall’idea di quattro appassionati d’arte contemporanea – Beppe Mecconi, Marzia Ratti, Cristina Bisà e Nicholas Figoli (quest’ultimi fondatori di Suntimes) – per sopperire alla diminuzione di gallerie d’arte in città e offrire agli artisti contemporanei la possibilità di esporre, rigenerando l’offerta artistica e culturale locale.

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Alla Firmafede oltre 70 opere raccontano venticinque anni di provocazioni, censura e icone ribaltate

Sono entrato alla Fortezza Firmafede di Sarzana per la mostra di Renato Guttuso. Sapevo che, negli stessi spazi, era allestita anche Anthology, un’esposizione dedicata a un artista per me sconosciuto: Giuseppe Veneziano. Pensavo a una mostra “di contorno”. Ne sono uscito con una convinzione diversa: quella che immaginavo come un’appendice si è rivelata un’antologia completa, solida e sorprendente, capace di reggere il confronto con il grande maestro del Novecento e di imporre un nome che merita una decisa attenzione.

Dalle didascalie che introducono il percorso emerge con chiarezza la portata del progetto: oltre settanta opere che ripercorrono circa venticinque anni di attività di quello che è oggi considerato il principale esponente italiano della New Pop. Dipinti e sculture di grandi dimensioni attraversano l’intera produzione dell’artista, dalle opere più discusse a quelle più recenti, molte delle quali hanno attirato negli anni l’attenzione di pubblico, media e critica, non senza episodi di censura.

Politica, fiabe e Rinascimento: l’immaginario ribaltato

Il curatore Luca Nannipieri in occasione delll’inaugurazione di Anthology aveva affermato: “Le opere di Giuseppe Veneziano hanno un linguaggio diretto, chiaro e desacralizzante: attraverso le particolarissime e mai scontate riletture di personaggi della politica e della storia come Trump, Putin, Berlusconi, Papa Francesco, delle fiabe e dei cartoni animati come Topolino e Biancaneve, e delle inaspettate riletture di capolavori del Rinascimento che Veneziano ama molto, ci troveremo a fare un viaggio nell’attualità e nella storia dell’arte che è anche un viaggio dentro i nostri pudori, le nostre vergogne, le nostre ossessioni. In fondo, l’arte, anche quando è accerchiata, spalanca geografie della nostra anima che pensavamo di far tacere”.

Dalla Sicilia a Milano: la costruzione di un artista controverso

Giuseppe Veneziano nasce nel 1971 a Mazzarino, in provincia di Caltanissetta. Laureato in Architettura all’Università di Palermo, nel 2002 si trasferisce a Milano per dedicarsi esclusivamente alla pittura.

La notorietà nazionale arriva nel 2004 con la mostra Invisì, dove espone, tra gli altri, un ritratto di Osama Bin Laden e un’immagine di Maurizio Cattelan con un cappio al collo: opere che finiscono in copertina su Flash Art per l’eco mediatica suscitata.

Nel 2006 Occidente, con un’Oriana Fallaci decapitata, genera un acceso dibattito internazionale sul confine tra libertà espressiva e sensibilità pubblica. Nel 2009, con 900, raffigura personaggi del Novecento — da Hitler a Berlusconi — in atteggiamenti erotici accanto a icone pop, tornando al centro dell’attenzione mediatica.

Accanto alle polemiche arrivano anche riconoscimenti istituzionali, come l’invito al Padiglione Italia della 54ª Biennale di Venezia nel 2011, e collaborazioni con il mondo della moda, tra cui Dolce & Gabbana. Nel 2025 è protagonista di nuove esposizioni, tra cui Art Fiction al Lucca Film Festival e Piazze d’Italia alla Antonio Colombo Arte Contemporanea di Milano, confermando una presenza costante e divisiva nel panorama italiano.

Uscendo dalla Fortezza, dopo aver attraversato più volte le sale, la sensazione è netta: il biglietto — pur condiviso con la mostra di Guttuso — è pienamente giustificato anche solo dalla presenza delle opere di Giuseppe Veneziano.

Perché, nel bene o nel male, la sua arte intercetta il nostro tempo con un’ironia dissacratoria che difficilmente lascia indifferenti.

E a conferma di ciò, basta ascoltare i commenti dei visitatori: battute, reazioni istintive, osservazioni ad alta voce. Segno che l’arte, quando punge davvero, riesce ancora a far parlare.

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Dopo la mostra “In forma di quadrato” alla Factory di Sarzana, Bruno Zoppi torna alla Spezia alla libreria Contrappunto con “Su Bristol”, un nuovo capitolo della sua ricerca artistica.

Sarà inaugurata il 20 novembre alle ore 18,00 la nuova mostra dedicata al pittore spezzino Bruno Zoppi, ospitata in una cornice inconsueta: la libreria “Il Contrappunto”, in via Galileo Galilei 17 alla Spezia. Un luogo dove la parola domina sugli scaffali, ma questa volta è chiamata a dialogare con la pittura. Un’idea che piace molto all’artista: vedere compresenti le due arti. Quella della parola che fa capolino dagli scaffali e ammicca ai suoi dipinti su Bristol, esposti.

Zoppi lascia temporaneamente il suo atelier di via Gioberti 51, a pochi passi dalla libreria, per esporre qui una selezione di 23 opere della sua produzione più recente, lavori nei quali l’autore si mette metaforicamente – e artisticamente – a nudo. L’artista diventa un mezzo per trasfondere le emozioni che gli sgorgano dal profondo e le trasforma in tratti pittorici che prendono corpo sulla tela.

L’Evoluzione Stilistica: Dal Surrealismo all’Oggetto
Gli esordi di Zoppi risalgono agli anni Settanta, quando la sua pittura si nutre delle suggestioni del surrealismo: atmosfere sospese, figure umane solitarie, presenze meditate e silenziose che indagano il delicato equilibrio dell’identità. Con gli anni, però, questa figura si ritira sino quasi a scomparire, lasciando spazio a ciò che l’artista chiama semplicemente “Oggetti”.
Oggetti quotidiani che, nelle sue composizioni, assumono una forza nuova: diventano “Soggetti”, dotati di una propria anima, evocativi dell’uomo pur restando immobili e silenziosi. In questa scelta maturano una consapevolezza critica e una vena malinconica che attraversa parte della sua produzione: lo sguardo su una società che tende a massificare, a uniformare, a ridurre l’individuo a ingranaggio di un presunto progresso.

La Frammentazione della Forma
Nelle opere più recenti, questo sguardo si evolve ancora. L’oggetto non è più solido, centrale, riconoscibile: si frammenta, si moltiplica, si scompone in una rete di forme autonome. La realtà concreta lascia spazio al dominio dell’immaginazione. I segni, liberi, creano nuove armonie visive, quasi una dichiarazione di indipendenza del gesto pittorico.

L’allestimento della mostra è curato dalla professoressa e critica d’arte Giovanna Riu. a cui abbiamo chiesto:

«Ci sveli le ragioni del titolo della mostra»:
«Questa è una mostra piccola e preziosa di Bruno Zoppi. Il titolo “Su Bristol” definisce il supporto su cui le opere sono presentate, supporto che appartiene alla famiglia della carta, il più adatto per una libreria.»

«Come definirebbe le opere in esposizione?»
«Le opere dell’artista sfuggono a classificazioni di linguaggio. Informali, astratte? Sono trame di colore sapientemente steso, per lo più a spatola, organizzato in isole, mosaici, stratificazioni che lasciano filtrare scie luminose. Se lo sguardo vuole seguire un percorso, sceglierà, a piacere, andamenti a spirale, incontri di linee, atmosfere con filamenti di pioggia. Può viaggiare nel colore puro o diffuso, tra mandala orientali e labirinti di segni. Bruno Zoppi nella sua ricerca attuale ha scelto il gesto libero e la “non intenzionalità” nella composizione: spazio di vita.»

In Dialogo con Bruno Zoppi

«Nelle sue opere più recenti l’oggetto si frammenta in segni e colori autonomi: come nasce questa nuova fase e cosa

 rappresenta per lei sul piano personale e artistico?»
«Dopo un percorso legato a una rappresentazione del paesaggio urbano, fatto di strutture e di oggetti ai quali trasferisco la mia interiorità cercando di dar vita a ciò che uso e vedo nella mia quotidianità, ho sentito il bisogno di liberarmi dal vincolo dell’immagine esterna per passare a quella interiore. La totale libertà espressiva l’ho raggiunta in quello che si definisce “Astratto”. La libera creazione fa sì che si realizzino, quasi inconsapevolmente, forme e colori che si assemblano in modo istintivo. L’opera si concretizza non più attraverso l’immagine ma attraverso le emozioni e il sentimento del momento.»

«Cos’è per lei l’astratto e come lo definirebbe?»
«Sul concetto di Astrattismo penso che, al di là dell’elemento identificativo, non ci sia cosa più reale di tale forma, in quanto rappresenta ciò che realmente siamo e sentiamo, ovvero il nostro “ego”.»

La mostra al Contrappunto, aperta fino al 30 dicembre 2025, rappresenta dunque un’occasione preziosa per avvicinarsi al mondo di Bruno Zoppi: un artista che continua a interrogare il presente e se stesso attraverso una pittura che muta, si rigenera e non smette di cercare.

By Catia Cidale

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Michele De Luca: nei mondi della luce e dell’anima

Una passione per l’arte in generale e per la pittura in particolare, hanno caratterizzato la vita di Michele De Luca portandolo, a meno di nove anni, quasi un bambino prodigio, a dipingere, per poi, durante l’adolescenza, sentire il richiamo della musica, il fascino del teatro e della scenografia sino a diventare collaboratore di registi come Ansano Giannarelli e Luigi Faccini e avere un ruolo importante sul set di alcuni importanti film.

Una creatività innata e trasbordante la sua che logicamente non poteva rimanere circoscritta nel piccolo borgo di Pitelli dove il padre conduceva una macelleria, ma lo ha spinto lontano, dapprima a Firenze dove ha studiato all’Accademia di Belle Arti e poi ad insegnare alle Accademie di Brera a Milano, Sassari, Firenze e infine a fermarsi a Roma, dove dagli anni ottanta ha aperto il suo studio di pittore dipingendo lavori espressionistici e materici per approdare negli anni novanta ad una linea di ricerca astratta che trova nella luce il suo dato di riferimento.

La ricerca della luce e il dialogo con la Fisica Quantistica

Dagli anni duemila è proprio questo bisogno di rendere con i suoi mezzi espressivi il mistero della luce che ha condotto De Luca ad interpretare artisticamente il mistero della nuova Fisica Quantistica, riflettendo su temi del tutto nuovi come il vuoto, lo spazio, il tempo, l’energia che diventa materia e la materia che si smaterializza nella luce, sulla nascita dell’Universo, sul big bang, i buchi neri, le galassie in espansione.

Non posso fare a meno di confessare che proprio questa tematica cosmica mi ha portato sino alla sua casa di Pitelli, dove da qualche mese De Luca è tornato provvisoriamente a vivere, sempre pronto però a ritornare in quella che ormai sente come la sua città, Roma, anche se il cuore è rimasto legato al paese dell’infanzia.

Qui ho avuto il piacere di visitare il suo studio, vedere i suoi quadri e ascoltare dalla sua voce come essi si collochino nei vari periodi artistici che hanno caratterizzato la sua opera dagli anni Ottanta: dalle prime tele di ispirazione espressionista che utilizzano il bitume ed altri materiali di recupero, per la forza intrinseca del colore che li caratterizza.

Le sue opere, dagli anni Duemila, su tavole, lamiere metalliche, o grandi acrilici su tela libera esposti come arazzi, ci appaiono invece come “micro-universi” riflettenti l’Io dell’artista; onde di pura energia che sfuggono oltre la tela ed oltre l’opera stessa, verso uno spazio ideale, mentale, ovvero verso l’infinito.

In queste sue ultime opere, come scrive il critico Enrico Crispolti, la sua pittura si rinnova in “inquietanti attese di rivelazione di luce che si afferma fra le più originali proposizioni della sua generazione”.

Nei Mondi: la mostra e la poesia della visione cosmica

Questo ultimo periodo pittorico, che possiamo ben definire “cosmico”, si esprime quasi sempre in grandi dipinti come se De Luca volesse rivaleggiare con l’infinità del cosmo o almeno darcene una silenziosa e inquietante immagine. Così avviene per quello del 2022 titolato Nei Mondi, che – come si legge nella critica di Anna Imponente – è “punto di arrivo della ricerca inquieta di un teatro del cosmo in cui le esplosioni di luce si affermano quando l’ombra è più nera. Una mistica laica che proietta una visione personale sulle nuove frontiere dell’astrofisica, inserendosi nella discussione continua ancor oggi nel mondo diviso tra arte e scienza.”

E proprio prendendo spunto dal nome di questo quadro, nel 2024, a Roma nella Casa Museo Hendrick Christian Andersen diretta da Maria Giuseppina Di Monte, è stata inaugurata la mostra Nei Mondi, curata da Anna Imponente, che ha dato modo di vedere riunite per la prima volta le opere che dall’inizio del Duemila contraddistinguono la sua poetica, alla ricerca inquieta di un altrove.

L’incontro con De Luca però, prima che con un artista, è stato con un uomo che il successo non è riuscito a snaturare. Dal grande terrazzo della sua casa di Pitelli, da cui si vede il castello di Lerici, ha ripercorso con me i momenti più importanti della sua vita, ricordando con affetto i personaggi e gli incontri che hanno contribuito a renderlo l’uomo che oggi è.

E l’ho visto intenerirsi nel guardare la bellezza del Golfo dei Poeti. Già, perché tra le passioni di De Luca c’è anche la poesia, che insieme alla pittura gli sono necessarie per esprimere i suoi sentimenti e le sue sensazioni.

Una poesia concettuale, così come lo è la sua pittura, non di facile lettura, che ha bisogno di essere meditata per svelare il suo senso ultimo e che spesso si illumina nel dialogo con i suoi dipinti, specie quelli dell’ultimo periodo, “cosmico”.

Universale

Lo spazio nostalgico
lo spazio cilindrico
ossimoro innocuo
del germe umano
Entrare in circolo
circumnavigare la maledetta
perifrasi del suono
Vai sempre vai
dopo il fluire ultimo
della fosforescenza delle stelle
malate d’ansie
di freddo
di circuiti d’implosione

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